高校美术论文十篇-欧洲杯买球平台

高校美术论文篇1

（一）高校盲目扩招

当前，随着社会主义现代化建设的不断深入，高考扩招成了一大趋势。社会的发展需要高素质、高能力的人才，艺术设计人才也一样。通过对相关数据资料进行分析可知，近20年来，我国某美术高校的招生人数一直在不断扩大，已增加了将近30倍。高校扩招会促使艺术设计毕业生的数量大幅增长，为社会提供了更多艺术设计方面的人才。但倘若高校不结合社会供需的实际情况进行盲目扩招，就会导致大量问题的出现。比如，为了获得更多的经济利益，某高校进行了扩招，但由于缺乏专业的师资队伍、完善的教学设备，该高校的教学质量出现了严重下降，学生无法获得优质的教育。

（二）教学方式方法方面的问题

通过对我国高校艺术设计教育的现状进行分析可知，现代教育中存在着很多不足，是阻碍艺术设计教育工作取得进展的因素。现行教学大纲中的套话较多，学生在课堂上所学的知识缺乏现实实践性和可操作性，仅仅是烂熟于心的纸上谈兵。另外，学校提供给学生的思考空间以及实践机会也十分有限。究其原因，在于我国当前的高校美术及艺术设计教育体制存在着诸多问题，即教学内容空泛、教学目标模糊、教学手段落后以及课程安排不合理。另外，在许多高校，美术及艺术设计专业的教师大多只注重学生的技巧培训，而不重视对学生的实践指导。还有一部分教师不致力于做学问，不及时对自身的教学方法以及教学内容进行革新，过度追逐名利。在这样的情况下，我国高校艺术设计教育工作就会面临诸多问题，遇到教学瓶颈。

二、发展我国高校艺术设计教育的相关措施

（一）课程设置要连贯

在设置美术及艺术设计专业课程时，教师应将课程的连贯性放在突出位置，既注重培养学生的基础技能，又充分尊重学生的主体性，提高学生的自主学习能力，促进学生创新思维和创新能力的提升。而在培养学生的专业技能时，要加强其理论、专业、设计以及造型等基础知识的传授。学校还要及时把握市场最新动态，将教学与市场需求有机地结合起来，不断提升学生的综合素养；或者通过定期举办相关讲座，举行画展、设计制作展或摄影比赛等，来不断拓宽学生的知识面。在教学过程中，教师要不断创新教学思路和方法，注重培养学生的实际创作能力、想象力以及表现力等，同时还要坚持与时俱进，实现科技与艺术设计专业的协同发展，加强对网络技术的开发和研究，帮助学生掌握美术及艺术设计专业软件的相关应用原理，全方面地提升学生素质，使他们更好地适应社会需求。同时，学校要优化设置课程组合，保证课程的连贯性，节省教学成本，减轻学生的课业负担，激发学生的学习热情。此外，高校在开展美术及艺术设计专业课程时，要注意吸收传统文化的精髓，将中国的传统文化融入到世界流行时尚文化中，推进我国传统文化的不断发展和进步。

（二）转变教学观念

随着时代的进步以及经济的发展，具有良好的思想道德以及广阔知识面的综合型人才广受社会各界的欢迎。因此，高校艺术设计专业需转变教学观念，结合不同专业的基础教学和专业课程，对学生的艺术潜质以及审美能力进行培养，使学生的创新能力、艺术品位得到大力提升，并引导学生将所学知识和实践充分结合起来。另外，学校还需对当前社会的实际需求进行深入分析，及时调整教学目标及专业课程安排，针对学生的兴趣爱好及特长进行个性化的培养，并为他们制定科学合理的学习计划，真正做到因材施教。相信依靠这种方法，艺术设计专业学生的综合素质以及美术技能才能得到有效提升，高校才能为社会培养出更多优秀的美术人才。

（三）培养学生的创新思维

艺术要取得持久的进步和发展，就必须要创新，而创新需要我们有 扎实的美术基本功和创新能力。对于高校美术及艺术设计专业的学生而言，创新性就是指学生在学习过程中对不同的艺术元素进行想象和组合，通过再创造所呈现出来的新的、合理的、完整的形象。对此，在上专业写生等具体课程时，教师应允许学生在具备了一定的功底之后，适当地在作品中表达自己的观点，发挥想象，并将其作为考察的一部分。具体的创新内容既可以是空间上的创新，也可以是构图上的创新。此外，教师要合理把控学生的想象，避免他们走弯路或不切实际的创作，对他们的创造性思维及时予以肯定并指出其存在的问题，提高其创新的水平。

（四）完善教学内容

美术院校需结合实际对课程内容进行拓宽，即将学生文化素质的提升作为教学的重点，提供给学生更多与外界接触的机会。通过学习其他课程或办讲座，学生与社会之间的联系就会得到深化，他们的专业技能以及文化素养便会随之得到提升。另外，教学内容的设置需具有针对性，即要将学生创新能力的培养作为教学重点，引导学生对艺术设计的文化内涵进行深入探索，变之前的被动学习为主动学习。技巧、技法只是帮助学生完成绘画或设计的工具，艺术设计学习的真正核心应是提升学生的文化素养以及创新能力。只有不断完善教学内容，才能帮助学生获得全面发展，进而为社会培养出更优秀的综合型艺术人才。最后，高校艺术设计教育需结合自身实际以及社会发展的需要，引导学生树立正确科学的艺术观。

三、结语

高校美术论文篇2

（一）提高感官与心灵对形式美的感悟和品位能力

生活中不是缺少美，而是缺少发现美的眼睛。所以，提高学生的审美能力，对于提高学生发现生活中的美，增强对于形式美的感受具有十分重要的作用。当前各种多媒体技术的发展，给人们的视觉带来了巨大的冲击，但是这种现象是当代学生必须要面对的，同时也是社会发展的需要。人们对美的发现和对于爱美的追求和审美观念的形成都是基于这种形式美。形式美具有四大要素：色彩、线条、声音、形体，这四大要素中有三个都是对于视觉的体验。高校中对于美术的教育，通过系统的教学，将美术的知识和美术欣赏通过形式美的方式进行教授，从而增强学生的美术实践，使学生在内心构建起一个审美心理的结构，从而不断提高学生对于形式美的感悟与品位能力。

（二）陶冶人的情操，提高人生境界

审美能力能够在无形中塑造、提高学生的人生境界，超于一切现实因素逐步获得学生对于自由的人生的追求、更高的人生价值，从而不断地完善自身的素质，得到全面的发展。这种能力的培养，能够改变学生的心态，从而改变学生的一切活动，致使学生的心理、身体都能够朝着健康的方向发展，能够陶冶学生的情操，使学生的生活更加具有活力。比如，在对梵高《阿尔的吊桥》进行赏析的时候，我们可以通过这幅作品，体会到强烈的彩色应用，能够想象这幅作品是多么的大胆创新。通过对画中任何自然的洞察，体会到了梵高对于艺术的追求和对理解的渴望。通过对于学生审美能力的培养，可以从中深切的感受到梵高画的美，能够体会到画中美的感染，从而体会到梵高的伟大情操，这是其他教育培养所达不到的。只有审美，才能让学生感受到事物的美，给学生的感官和情感提供享受，使学生的精神受到鼓舞，从而感受到人生的真谛，从而受到陶冶，培养学生高雅的生活趣味。

（三）在学习生活中思维模式更趋完美

审美能力的培养可以使学生的是为模式从理性向感性、抽象和自由的方向发展，从而使得学生的认知能力不断加强，提高学生的自由创造能力。就像在劳动创造中，劳动可以使劳动者提高劳动的技术，从而不断改善操作，从而提高劳动者的把握能力和创造力。同样的，美术教育也一样。通过审美能力的培养，将美术教育中直观的造型和理性的实用目的融合起来，使技术艺术化，从而不断增强学生的鉴赏能力，提高学生的创造力，不断创作出更加优秀的作品，为社会接受和使用。

二、提高高校美术教育中审美能力培养的具体措施

（一）重视审美能力的培养

对于审美的理解能力，就是要在对作品的感受的前体现，加深对于自然事物本质的把握或者说是对于艺术作品的内容意义的掌握能力。这种能力不是天生就有的，它是需要在长期的美术教育中有意识、无意识形成的，是文化熏陶的结果。它要求每一个学生都要加大对于自然和艺术的接触，从而获得感悟，又要学生能够具备大量的知识储备，从而具有丰厚的生活底蕴。所以，要想具有这种审美理解力，首先学生就要接受长期的对于一般知识的教育，通过这个过程，掌握大量的专业知识和专业素养。其次，当学生的知识储备已经达到要求后，就要使用特殊的教学方式加强学生对于审美理解力的形成。通过这两个过程，可以使学生给你加深对于各种艺术的表现技巧的理解，从而能够每个作品中的各种象征意义和各个典故，从而能够对于作品的哲学思想能够较好的把握，体会到各个历史时期的时代精精神。

（二）确立审美知觉在美术教育中的核心地位

高校美术教育中的审美能力的培养主要是运用审美知觉原理进行的。知觉是对各种事物的不同特征，比如事物的形状、空间、色彩等，组合在一起形成的完整形象的整体把握，它主要是培养学生的直觉力、对美的感受力。这是一种自然的艺术知觉，它通过审美的活动，建立起作品的基础，从而搭建起学生和作品之间的桥梁，比如学生对于审美的想象、审美的认识和审美的创造等。高校美术教育的目标就是通过学习绘画从而实现对于学生的审美知觉的开发，这种培养学生创造力的视觉训练是高校教学的最终目的。将审美能力的培养作为高校美术教学中的核心就意味着，通过学生生理和心理对作品的感知，从而建立学生对于作品的基本的思维方式。也意味着，教师在这个过程中，对于教育的每一个环节和每一个步骤，要将教学的方式、思想以视觉的方式传达出来，实现既能与主体思维方式的相统一，从而事项高校美术教育从技术能力的培养向着视觉思维能力方向培养的全面转型。

（三）培养审美主体的再创造能力

对于学生的审美能力培养，其根本就是能够提高学生的再创造能力。首先，要让学生形成审美自由的观念和心态，认识到艺术的审美自由是人类劳动的最高形式的特征，从而使学生能够具备自由创造的审美意识。其次，要从学习方式入手，提高学生对于创造性的想象力和审美情感，教导学生求异、质疑、想象，从而使学生在日常的生活中能够超越现实的局限，创造即时性和偶然性的审美情感，使艺术的想象在大量的生活经验和丰富的基础情感上，成为作品。最后，要教导学生在生活的基础上，培养凌驾于生活之上的艺术审美。

（四）具体化审美表述的方法

审美的表达，是建立在许多基础上的，比如民族、环境、文化、历史、经济、专业修养、语言等，这些都是学生自身的一种能力。能够对一副优秀的美术作品做出高质量的评价和鉴赏，都取决于学生的综合素质的高低。对于学生这方面的培养，需要遵循一定的过程，从浅入深、由简到繁、从局部到整体，这是一个长期的过程。可以通过让学生进行单一的技巧表述，单纯从技巧上让学生进行作品的分析，也可以结合教学内容，通过所学的知识对作品进行表述。比如，当学生在进行色彩的研究的时候，就可以让学生通过对美术作品的色彩的学习，尝试对色彩分析的表述。只要在这个过程中，加强学生审美表述的能力，就能实现开阔学生视野，提高学生对于专业理论知识的巩固和提高。

三、结语

高校美术论文篇3

1.缺乏科学有效的评价和激励机制

美术专业具有技能性较强的专业学科特点，强调日积月累的实践创作与艺术感悟，科研成果的形式大多是作品而非论文及著作，如绘画或雕塑作品参展获奖，企业形象设计或标志设计作品被采用等。各省市按照现行的科研管理条例对高校进行综合评价时，往往没有考虑到美术类学科的专业特性，经常以文章发表及专著的数量进行衡量，以至于在美术高校填写的上报表中，许多很重要的专业成果找不到相应的填写位置，因此很难获得更多的经费支持及成果奖励。更重要的是，由于各高校的日常科研管理条例及成果统计形式都是针对上级主管部门的要求制定的，因此，这些评价和激励机制不完善直接影响到了教师的职称评定及对优秀成果的奖励。

2.学科建设及管理模式的滞后性

目前，美术院校科研管理观念相对落后，管理模式僵化。美术院校传统的学科建设组织形式以设立二级学院及直属系为主体，按专业特点进行划分：造型学院、设计学院、媒体学院、实验艺术学院、国画系、史论系等。科学研究层级结构以校、院、系、研究所、教学研究室、课题研究组等形式进行设立，课题间及学科专业间的联系相对闭塞，缺乏长期有效的合作和沟通，阻碍了项目研究及学科专业的交叉与融合。近20年，国外新兴的视觉文化研究领域对以视觉为核心的各学科综合性研究非常重视，取得了显著的研究成果。相对而言，国内一些传统学科的组织形式制约了人才的流动，已经不能适应科学研究多样性与灵活性的需求，如何科学有效的利用软件和硬件的科研资源及人才队伍，是提高美术院校科研水平的重要环节。近些年，伴随高校绩效考核制度的深化及各校间科研成果的竞争，美术院校科研管理模式的弊端日益凸显。许多美术院校普遍存在重艺术创作而轻学术研究，重设计实践而轻理论总结，重教学工作而轻专业研究的问题，这些现象不断地积增，违背了大学教育发展的规律，迫切需要建立切实有效的科研管理创新模式。

3.科研管理人员的素质良莠不齐

美术院校科研管理队伍的建设良莠不齐，引进人员的教育背景几乎和岗位工作内容没有相关联系，其大部分管理人员的实践管理知识都是通过实际工作中的经验积累形成的，缺乏针对美术管理专业的系统培训。院校对管理人员经常重使用而轻培养，继续教育的环节薄弱，进一步造成非专业的管理人员与高水平的教师队伍之间的差距。同时，高校对科研工作的重视和支持，科研成果数量的激增，不断对科研管理者的工作提出更多的要求。成为一名优秀的美术科研管理工作者，不仅要具有高度的爱岗敬业精神和认真负责的服务态度，相应的科学管理知识储备，还需掌握全面的艺术专业知识，关注文化领域的最新学术动态，这样才能适应美术专业科研管理创新模式日新月异的发展趋势。

4.美术专业科研成果的转化率低

美术专业科研成果的推广与转化工作一直是各大院校科研管理中的薄弱环节，美术院校师生创作的艺术成果丰硕，但成果转化与推广程度不容乐观，这一现象与美术院校科研管理体系建设的不足有密切的关系，现行的科研成果量化与奖励制度只重视项目数量，专利总数、、刊物级别等，没有协助教师建立成果转化相应的渠道及搭建校企合作的平台。同时，大部分教师缺乏成果转化的意识，大多数艺术家只埋头进行专业创作，忽略了艺术成果和市场经济的对接。因此，许多艺术成果仅仅停留在学术研究、职称评定、论文撰写等层面，没有积极地进行推广，使成果转化为生产力，致使科研成果严重浪费。

5.科研经费管理中的弊端

美术院校科研项目负责人大多以副高级职称及以上的教师为主，青年教师和研究生只能是项目参与人，以这种金字塔结构为主体的固有模式进行配置，致使项目研究人员的组成缺乏多样性与灵活性。然而，科研项目的创造性劳动，绝大多数是由这些年轻人承担，他们长期大负荷的工作，却无法成为项目的主要承担人，这种过于严格的项目申请资格的规定，虽然符合国家的项目管理要求，但在实际应用中，却间接抹杀了青年教师及学生的创造热情，无法直接地激励他们的创新思维，阻碍了艺术创新成果的产生。近年来，国家对科研项目的资金支持逐年增长，而对于承担人员资格的过度限制，使得大量的科研经费集中于少数人的手中，科研成果的数量和质量不能得到有效的监控和保证，出现了同一成果多头结项的现象，严重影响了科研经费的良性运转。

二、提升美术院校科研管理水平的策略与途径

1.科研资金组织与资金管理优化

美术院校的科研资金组织与资金管理需要根据学科特点进行优化，参考国外诸多大学的管理模式，对我们的管理创新颇有启发。比如，我国科研项目的管理经费的报销环节，人工费用还需通过其他途径进行支付，这凸显出管理制度中相关条款的不合理现象。国外大学从申请项目时，就已经严格进行了预算明细审核，项目研究过程中的经费使用严格按照预算来执行，报账的管理体系与预算的管理体系完全分开。项目经费以直接费用和间接费用两部分进行划分，间接费用的比例可占到实际费用的一半以上，项目研究中的材料费及研究人员的福利都很多。同时，项目研究中对学校内设施的使用也要收取费用。这种资金组织及管理的透明化是需要我们借鉴的。

2.人才培养与科学研究紧密结合

科学研究与人才培养同时进行，已成为国外高校科研管理中的成功案例。在美国，人才培养与一些项目研究相联系，导师招收博士生的数量与项目直接相关，博士根据导师的项目经费及研究需要来做助研工作。导师可招收博士生和博士后的数量很大，在国外一流的大学里，学术研究的辅助队伍是相当庞大的。这种管理模式为我国美术院校的科研建设提供了诸多启示。回望美术创作的发展早期，可以追溯到师傅带学徒的作坊，在规模庞大及有名望的作坊里，一位师傅拥有众多的学徒，完成大的艺术定件。这种传统的艺术创作模式与国外的科研体系有很多类似之处。首先，它可以降低进入研究领域的门槛。其次，它可以在创作与研究中培养学生。最后，它可以为国家节省大量的学费资助及科研人员工作费用。需要严格把关的是相应制度的建立，当学生参与学校的研究项目时，对该生的各种成果及学术能力的综合评定，必须有相应的顾问来监督，并设立学科组对该学生进行评分和最终的资格考核。

3.发展战略组织与科研理念优化

西方发达国家中许多大学科研管理制度的建设比较完善。美国所有大学几乎都有科研管理手册，手册中对不同专业的科研管理都有详细的规定，而且各大学的管理制度如出一辙，普遍性原则对所有研究人员及机构都是适用的。统一的标准，营造了公平的学术环境。因此，我国高校美术专业科研管理也应根据学科的特殊性，设立行之有效的统一管理模式，美术类院校与其他高校科研管理的不同之处，主要在于众多复杂多变的艺术成果形式的评价与鉴定，全国美术类高校的科研工作基本相同，统一的艺术科研管理体系在全国院校都是可以使用的，具有共通性。因此，全国统一的美术科研管理体系有待建立，这既是提高管理效率及各院校横向比较的迫切需要，又是全国学术水平认定规范化的必然举措。

4.营造良好的管理文化环境

国内美术院校科研管理的文化有很多弊端，整个管理模式都是行政体制下的管理，缺乏学术研究的管理文化。许多高校把科研管理制度简单理解为项目管理、工作室制度、科研经费管理等，这是非常片面的，高校的科研管理制度不只是用于规范教师与科研人员的日常工作，更应自然成为每位教师心中的管理符号，形成普遍的约束力与认同感，同时对所有教师的行为与意识产生潜在影响。因此，以人为中心的人本管理，是高校科研管理的核心及发展方向。所谓人本管理，就是指在高校科研管理的所有活动中，首先应把教师放在最重要的位置，以服务教师学术研究的全面健康发展为宗旨，充分调动教师和管理者的积极性与创造力，从而使高校的学术成果获得效益的最大化。

5.美术专业科研管理信息系统的研发

随着科学技术的飞速发展，以数字媒体为代表的互联网管理技术的研发水平日新月异。经统计表明，全国绝大部分高校已采用了计算机和管理软件进行日常科研管理工作，但缺少适合不同学科特色的管理软件研发。因此，结合美术专业自身特点，自主开发适合美术专业科研管理的信息系统是十分紧迫的工作。现代信息技术监测在科研成果认定、质量监控、制度决策及成果创新过程中广泛应用，对于简化科研管理的流程，提供科研信息与数据的统一与利用，加强管理的科学性具有重要作用。互联网管理技术不只是信息化管理的媒介，还将成为管理工作的重要手段，伴随着数字媒体网络技术在美术院校科研管理中的应用，美术院校科研管理工作必将走向信息化与规范化。

三、高校美术专业科研管理评价体系建设与实践

高校美术论文篇4

关键词：：高职院校美术教学素描学习

素描教学是美术教育中的一个重要内容。但是人们往往认为素描只是一种造型训练的方法，而忽略了素描也是一种艺术形式、一个独立的画种。其实，素描本身就是造型艺术，具备一切造型艺术的共同点，也能艺术地、能动的表现自然，揭示自然的本质。因此，素描历来是被作为“造型的精髓”、“绘画的根基”。在五年制高职师专的素描教学实践中，笔者以为，搞好素描教学必须从以下四个方面进行。

1积极调动学生学习兴趣，找到每个学生学习素描的切入点。

兴趣是最好的老师。在素描训练过程中，构图、形体、结构、明暗、质感、空间感等是这门课的主要训练内容。素描这门课课时较长，易枯燥，需要长期的反复训练。但素描需要人真情实感的投入，只有真诚的热爱，才能触摸到艺术的灵魂进而迸发智慧的光芒。

如何调动学生学习美术的兴趣呢？首先，开展作品欣赏教学。我们组织了优秀作品欣赏，特别是西方文艺复兴以来各种优秀素描作品的赏析。在欣赏的过程中，有同学问：“为什么这些素描作品有些看起来很简单，但是却作为艺术品流传呢？”我抓住这个契机，对同学讲述自己对素描的认识：

（1）、艺术家的素描往往是为创作服务的，在生活中有了认识，随之即兴一勾，看起来虽简单，实质是灵感火花的捕捉。133229.com比如拉裴尔见到一个认为很能代表圣母形象的青年妇女，恰巧手边又没有纸，就将其画在了一块薄煎饼上。他的圣母作品之所以传神，正是对生活的真正热爱与细心观察、勤奋实践的结果。（2）、素描艺术作为一门独立的画科，体现了画家不同的修养、气质。欣赏不同时期、不同画家的作品，没有千人一面的现象，好的素描作品都有独特的个性风格。

比如，达。芬奇的缜密细致，拉裴尔的优雅抒情，米开朗基罗的强悍以及强烈的生命张力，鲁本斯的性感，安格尔的含蓄、简洁及质感的表现，凡。高澎湃的激情，毕加索旺盛的创造性？？等等。这些个性鲜明画家的素描作品，一方面体现了他们的精神风貌，另一方面也展现了素描艺术所特有的魅力。通过欣赏教学，学生产生了浓厚的兴趣，纷纷跃跃欲试。其次，进行教师即兴作品展示和示范。要使得学生产生兴趣，作为教师也要进入“状态”。这对教师提出了较高的要求：一是要对艺术具有忘我的热情和不断探索的精神，这一点特别重要。二是心中要有一个至高的标准，这标准不是限制素描纸的大小、笔的种类，而是修养出的纯正品味。教师较好的水平和能力，能在自己的作品中体现出来，也会激起学生学习素描的浓厚兴趣。

2对学生进行学习方法的指导，提高学生的素描认识水平。

一张画是反映作者作画时思维活动的过程、心理活动的过程、道德认识的提高过程。紧扣这些过程的每个环节，是指导绘画的关键。在学生作画的训练中，常常不自觉地用自己固有的思维方法学习，错误、混乱地表现对象，并麻木地进行下去，这一恶性循环的症状在哪里呢？其根本原因，就是对对象没有整体深入的认识、理解及全面的分析与把握。没有对感受到的第一印象进行追踪和提炼。而只凭臆造，概念、机械地表现对象。对此问题，教师不能采用单纯地纠正、修改画面的方法。而应由表及里地引导学生去正确把握自己的思维方法，达到教学目的。比如：当发现学生的形不准时，不是直接指出，而是由学生谈谈作画时怎么想、怎么看和怎么画，启发学生回顾作画过程中的每一个思维环节，针对问题出现的原因，建立起学生正确的认识方法，给予学生相应的画面方法上的微观指导，使学生学会运用的思维方式去学习并指导自己的艺术实践。这样，学生就会少犯或不犯类似的错误。

3采用多种训练手段，使他们掌握正确的表现方法。

（1）素描因素分析法。首先，对学生在素描训练中遇到的各种因素如：形体、结构、透视、空间、色调、明暗等基本概念逐一进行理论的讲解，进一步使学生认识到各种因素间相互联系和所处的主次地位。如形体、结构等是物体内部最重要的方面，内在的结构形成了外在的形，形体与结构是不可分割的，是我们学习造型的关键，而色调、明暗等因素在我们观察物体时是生动的、丰富的，都是人凭直观感觉它们在光的作用下，起到增强形体感、质感和空间感的作用。让学生在思维上明确建立诸因素的基本概念，理解它们之间的相互关系，使之具备思维上的概括能力。

（2）移位、组合教学法。如改变光源的方向、物体的转向与移位、平面切割、触摸物体等，使学生对物象作全方位的观察、剖析，从中获取直观感受，以开拓原有的思维空间，达到对物象由表及里的全方位的观察和理解。物体移位、组合教学法是打破传统素描教学方法新的教学尝试。传统的方法是摆好实物的写生，有着或多或少的被动因素。教学中，我们采用随意布置的一组石膏几何模型静物，要求学生在想象中对它们进行重新移位组合，运用构图的形式规律，表达出一定的艺术情趣。在具体作画中，学生只能凭借眼前的实物获取一定的艺术信息，在沉思默想中形成有结构的意向，即创作构成有意识的主体空间。学生根据思维中形成的有结构的意象，运用具体的方法进行表现，在线条的使用和明暗色调的设计上具有鲜明的个性和强烈的情感。学生在这种具有艺术情趣的体验中，能更好地保持学习素描的兴趣。

4开展多种评价方法巩固学生学习成果。

（1）教师激励性评价。“与君一席话，胜读十年书”——这正是教师的真正价值，也体现出教师在素描教学中评价所起的作用。在这个意义上，作为学生也迫切需要教师艺术观点明晰、修养深厚，既有独到见解、技法高超，又含兼容气度的好教师的及时的激励性评价。

（2）学生自我评价。学生自我评价过程是认识思维提高的过程。这一个过程的客观与否，直接涉及到学生是否能够有长足的进步。同时，这也是一个学生自我“领悟”

高校美术论文篇5

根据美术教育中对基础认识的需要，结合2009年版《辞海》，“基础”意为事物发展的起点或根本。如：基础知识；在原有的基础上提高等。《二十年目睹之怪现状》第二十一回：“明了理，自然德性就有了基础。”美术作为一种“纯”艺术，是一种造型“视觉艺术”，通过材料制作有情感的，占有一定的空间，构成有形的视觉艺术。它包括绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术、书法、篆刻等。美术基础广义范畴即包括知识的传达和技能，更多的是指形体的塑造能力和色彩感知能力。人之所以为人，是不同于动物而具有与生俱来的思维想象力与创造力，基础所指的根本已成就，因此体现本质性的基础教育是对想象力与创造力的发现与引导。西方现代教育理念与系统在我们的教育过程中缺少开放、包容与梳理，艺术演进的过程、观念、方法常常被遮蔽，形成单一、狭隘的应试美术基础。我们所处的时代体现在“世界被把握为图像”，面对视觉空前富裕和充满张力的“图像时代”，美术基础教育也应不断地得到补充和重新认识。这样看来，美术基础教育是基于视觉材料与手段过程中对思维方式、创新心灵的发现与引导，而不是程式灌输什么、塑造什么、夯实什么……

二、关于美术基础教育的现状分析

中国美术基础教育现状堪忧，高考“美术基础”试题几十年不变。一方面，很多学生与家长觉得学美术或设计便于就业，或被名家作品高价拍卖效应的功利性迷惑，结果出现了盲目跟风；另一方面，高校扩招，很多中学为了提高升学率，鼓励学生学习美术，很多美术感觉较弱但文化课成绩还可以的考生为了确保能够考上大学而去学美术，很多对美术没什么兴趣，学习美术成为急功近利的升学“捷径”。由于高考的捆绑，考什么练什么，考前产业遍地开花，畸形儿“魔鬼式”强化培训层出不穷。例如，针对素描头像考试科目的训练，五官分解如同机器生产的流水线，而对于色彩明暗与关系的把握，如同数学公式般的教条背诵，成千上万的人画着一种相同面貌的素描、色彩，考前美术教育成为一种灌输式、强迫式教育，固化素描、色彩的“扎实”，局限于可以量化的结构、透视、比例、质感等，对对象观察、认知以及造型观念、造型方法则缺乏体悟而远离艺术的本质。学生进入高校以后，大多是重复相同的生产流水线，仍以写实性训练为主的素描、色彩作为美术专业的基础，继续概念化、模式化的，被动的操作方式，仍然偏重工匠式制作技能的训练，可能性、创造性在课堂“格式化”的技法磨炼“基本功”中耗尽，导致模仿套用，投机取巧，艺术思维也陷入这种可把握的、程式的泥沼中，作品大都似曾相识，要么像老师，要么像国内外某种已有的风格。

三、深化高校美术基础教育机理

高校美术基础课程属于专业教育，是一种“宽口径，厚基础”的培养过程，往往无法预期结果，其核心就是提供开放的平台以导引、保持艺术直觉，还要与时俱进“对重要公共话题的敏感、迅速表达能力和道德勇气的综合素质”。

（一）基础的基础

兴趣与爱好对美术来说是基础，首先，成长背景与天赋是不能回避的研究对象，人生而平等却各有其不同的视觉敏锐禀赋，许多人生命走到尽头也没有发现或发挥这一面；其次，家庭背景教育、社会风俗文化、传统文化基因也是艺术人才基础的基础，后天艺术培养与努力是在兴趣、爱好的自觉基础上的彰显，从这个意义上“艺术是不能教”的。

（二）开放的定位

基础不仅是再现性的素描与色彩练习，注重视觉材料、形态的理解、把握与细腻丰富的情感相结合，强调直觉对信息的整体加工和理性的领悟力相协调的特征，把握艺术教育的本质与目的。当代艺术视艺术为“人人都能从事的活动，是人类活动的所有领域真正得到治疗和发展的基础，是科学、技术、职业和日常工作实现进步并深化的基础”。由此，在美术基础教学中，就应思考将人格完善、人性解放、智能成长等因素纳入其中，并进行更深维度的考虑，如视觉直觉保持，个性认知表述，发现不确定性与可能性……

（三）基础的深化

对进入高校的学生情况进行归类性引导，不能搞一刀切。形成基础阶段性过程：开始阶段可以形式多样地自由发挥，发现优点，过程阶段为扬长避短做准备（交流、认识、理解、消化、倾向显现的把握），结果阶段是表现方法与手段的选择，从而有一个不同于高考应试基础的开始。第一，美术基础教育首先是通过感知与操作训练来认识和理解对象的；其次，造型要素有更加广阔的制作、组织、表现方式与手段的运用。扩大教学的知识面，突破简单的、固有的、封闭的再现与模仿的思维模式，促进学生感受、辨别、记忆和改变物体的空间关系并借此表达相应的思想和情感。以素描为例，对造型要素的点、线、面、体、肌理以及材料的认识，这比一味写生或死记硬背结构、透视、比例更加符合艺术原理。如对于线条在形态属性、情感属性以及艺术属性演绎的认识等。第二，学习丰富的造型原理、方法。认识基础绘画中表现取向上可以是对象也可以是画面文本等，理顺画面表现的着力点，研究造型因素相互影响及作用关系，综合运用这些关系去解释、表达、体现特定艺术内容。从形态到观念有太多的方法手段与内涵，如写实的、写意意象与意向的表现性、设计性等。第三，熟悉并运用相关的审美法则。有意识提炼、丰富形式美法则并灵活运用，了解不同造型艺术的表现特点，丰富表达的手段。增强对色彩、线条、质感、形状、结构和空间等视觉元素及架构的敏感与审美过程的觉悟，从无意识过渡到有意识，而以无法为法更是一种超越性的创造。第四，丰富美术基础教育途径与手段。开展形式多样，拓展专业视野，加强文化内涵的课程。利用好高校美术教育中现有的艺术考察、展览观摩、外出写生、创意竞赛等教学活动。通过对艺术考古、美术批评、历史及哲学方面，国学研究、人类学社会学等方面的基本知识的学习，以开阔学生视野，从石窟艺术、寺观佛像壁画、古代建筑、民间美术、书法碑碣、民间戏剧等造型中体会民族文化艺术造型特征。第五，通过美术基础教育培养、拓展学生的艺术方向性能力。引领其对生活中不同的艺术创作、影视影像及美术作品等审美载体的思考与理解，要极其重视当代全球化与数字化的社会现实中与图像、符号等相关的新媒体艺术材料的基础性认识。基础美术教育仍然是“因材施教”的个性化教育，进行“因势利导”的针对性课程的设置及引导。避免亦步亦趋的“风格”“帮派”与急功近利的符号化的标签，透过浮华的“当代艺术圈”或热闹的拍卖市场，从中看到学生美术基础的倾向性，再因材施教，形成针对性与开放性的美术基础教学模式。

四、当代艺术视野与格局的需求

当代艺术表达已经步入日常生活化、社会化以及传播性的多元途径。美术基础教学中更应关注不脱离时代、环境、媒介与材料以及与诸多因素关联的可能性问题，当代艺术所主张的重要内容之一就是肯定一种可能性的价值观与社会学价值导向，因为可能性有更多的可持续性、探索性、创新性，基础美术教育就可以在梳理、思考、自我摸索与艺术史式的导引中渐进（甚至是淘汰）进行，到高年级的学生会延续这种方式找到自己的艺术表达系统，艺术的本质性特征就在其中体现，而不是一刀切、强扭到毕业，以一纸文凭进入职业领域。我们的学院美术教育是传授美术知识与创作经验而承担文化传承的职责。中国当下的美术学院大多持守精英教育的观念，即“创造型”（或“复合型”）人才的培养模式，系统的美术史继承、美术创新与应用并置。当前美术运行体系是一种知识体制化、规范化和标准化的学院教育与艺术家个人艺术创作的共生关系，在“全球化”与“本土化”交织中，当代艺术应呈现出多元的绘画传承与衍变。应依托丰厚传统文化资源与转型时期社会、文化与经济以及意识形态多元性内涵，形成对当下自然、社会与人的心灵景观转换为艺术创作作品而具有启发性、可能性的阐述、解读、呈现，生发个性独特的艺术情感与观念，折射社会生活、生存经验、价值取向以及责任感的诸多方面，发现艺术创造魅力。

五、结语

高校美术论文篇6

（一）艺术素质对美术与艺术设计生发展所产生的重要意义艺术素质源于人们对美的原始的冲动和追求，它并非抽象的美学概念，而是集整体性、稳定性和综合性于一身，贯穿于艺术活动的始终。美术与艺术设计生能达到什么样的艺术境界，在很大程度上与他们的艺术素质有关。艺术素质在每一个人的身上都有其具体的表现形式，它是艺术涵养和艺术能力的统一体。艺术素质的形成不是一朝一夕的，它植根于长期的知识积累和实践，来源于艺术实践、艺术欣赏和审美认知中。要从整体上提升美术与艺术设计生的能力，就必须注重艺术素质的培养，帮助他们实现生理和心理的健康成长。与其它的素质相比，艺术素质涵盖了更高层次的素质修养，它不仅是对美和客观规律的自发性的追求，更是实现个体价值和社会人文价值的必经阶段。

（二）创新能力对美术与艺术设计生发展所产生的重要意义对于一个民族来说，创新是民族进步的不竭动力，是推动经济增长的有效助推器。对于个人而言，创新能力是其不断进步、不断超越的推动力。因此，培养美术与艺术设计生的创新能力是不可忽视的重要环节。

二、提高高校美术与艺术设计生艺术素质和创新能力的有效途径

(一）实现各类学术资源的优化整合，促进美术与艺术设计生综合素质的全面提升在具体的教学实践中，教师要充分发挥美术教育的基础性作用，加强人文艺术教育与学科之间的联系，实现资源的优化配置和组合，不断丰富大学艺术教学内容，切实增强学科的实用性和内涵性。在设置艺术教学内容时，要实现心理艺术学、艺术史、设计史、艺术鉴赏以及艺术美学等各学科的综合利用，强化学术交流和指导，将晦涩的艺术美学转变为通俗的白话，方便他们理解和掌握。随着社会的不断进步和发展，具有创新能力和开拓精神的复合型人才越来越受到社会的欢迎和重视，现代教育要求切实加强各学科之间的交流和资源的实时共享。由此可见，要让美术与艺术设计生更好地掌握和领悟知识，高校就要积极采取有效措施，加强各类学术资源的交流，不断对知识进行整合，从而提升艺术类学生的综合素质，不断适应社会对人才的需求，顺利实现就业。

（二）定期组织文化艺术沙龙活动，鼓励艺术生外出采风，开阔视野学校要定期组织专门的文化艺术沙龙活动，不断提高美术与艺术设计类学生的艺术修养，积极拓宽他们的知识面，使其丰富自身知识储备，学习到课本以外的知识。也可以组织高水平的文化讲座，因为讲座教师对艺术和美学都有着自己独特的感悟和理解，所以学生在听讲座的过程中可以得到有益的启发，从而积极开发自己的思维，形成自身独到的艺术见解。同时，学校要为美术与艺术设计生外出采风创造有利条件，不断拓宽他们的视野和知识面。在采风的过程中，他们会感受到课堂以外的风土和人情，从而转变世界观、人生观和价值观，不断丰富和提升自己的艺术造诣，激发创作欲望和热情，从而实现自身的成长和进步。高校在发展艺术教育的过程中要注重对美术与艺术设计生创新能力和艺术素质的培养，全方位提升他们的素质，从而满足社会对复合型人才的需求，为他们的就业创造条件。

高校美术论文篇7

关键词：高校公共美术课程 地域特色 建构 课程体制

我国教育部先后下发了《关于加强全国普通高等学校艺术教育的实施意见》《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》等重要文件促进大学公共美术课程的实施。目前，在素质教育成为教育目标理念的指导下，全国重点高校几乎都开设公共艺术类选修课，国外知名高校亦开设有公共美术课程。就浙江高等教育而言，作为全国经济发展领先地区之一，基于浙江浓厚的人文底蕴和现代教育观念，各个阶段的美术教育皆具特色。笔者立足于浙江省高校学生公共美术课程与美术素质的调查和分析，研究以素质教育教学推进和完善艺术教育学科的人文价值和社会价值，实现人的全面发展，提出建构与实施浙江高校公共美术课程的建议。

一、公共美术教育的渊源

中国公共美术教育的渊源可以追溯到新式学堂的兴办。19世纪中后期，晚清政府在洋务运动中建立起第一批新式学堂，开启了中国近现代高校美术教育的新纪元。新式学堂在“实业救国”思想的影响下，美术类设置了“手工”“图画”等课程。民国时，任教育总长的蔡元培先生大力提倡美育，中小学美术教育发展很快，但高校公共美术教育却没有得到真正意义上的普及，只有清华、北大等名牌大学和高等师范学校做过尝试。新中国成立后，国家和政府颁布了相关政策，促进中小学美术教育的发展，高校美术教育以培养专业人才为主，公共美术教育仍然没有得到应有的重视。时期，中国教育受到极大摧残，美育也造成了难以弥补的巨大损失。改革开放以来，高校公共美术教育得到了党和国家的高度重视，确立了公共艺术教育在普通高等教育中的重要地位。①尤其体现在2006年教育部下发的《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》②（以下简称《课程方案》）中，指出“公共艺术课程教学是普通高等学校艺术教育工作的中心环节”，进一步明确了指导方向。随后国内对高校公共美术教育的研究和实践有了更快的发展。

二、浙江省普通高校公共美术教育现状的调查与分析

普通高校公共美术教育尽管取得了一定成果，但还是存在不足。比如，重视程度不一、管理随意性比较大、高校学生对美术课程认识和自身美术素质修养不够等。为了解浙江高校公共美术教育现状、在校大学生的美术素质、目前的经验和不足、公共美术课程的调整策略，笔者选取了部分浙江省高校进行问卷调查，主要以考查高校学生的美术素质和对公共美术课程的认识与态度为主。

（一）调查的基本情况

本调查涵盖了浙江高校文史类、理工类等将近30个专业，旨在通过在校大学生对美术知识的了解程度、美术的兴趣度、鉴赏力、重视度以及对公共美术课程的期望态度等几大方面，客观了解浙江省普通高校当前的公共美术教育现状。调查发现，浙江省普通高校均已开设全校性公共美术课程，高职类学校中开设此课程的则较少，开设的课程内容较为单一。可见，公共美术教育在浙江省高校中并没有得到足够的重视。而依据2006年《课程方案》的规定：普通高等学校应将公共艺术课程纳入各专业本科的教学计划之中，每个学生在校学习期间，至少要在艺术限定性选修课程中选修1门并且通过考核。对于实行学分制的高等学校，每个学生至少要通过艺术限定性选修课程的学习取得2个学分；修满规定学分的学生方可毕业。

调查显示，浙江高校公共美术课程内容一般以鉴赏为主：包括中外美术鉴赏书法鉴赏摄影作品鉴赏及纺织品鉴赏服装色彩理论与穿着等；部分高校开设了实践类课程，如浙江大学城市学院开设了中国画基础技法，授课内容包括中国画的理论知识和绘画、裱画、题字刻章等；多媒体技术（图像设计、动漫制作、网页设计）也成为公共美术选修课的一部分。值得一提的是，个别院校还形成了特有的艺术教育模式，如浙江大学，专设了“公共艺术教育中心”。③

总的来看，浙江省公共美术教育已经起步并取得了可喜的成绩，但在发展水平上良莠不齐，与教育部的要求还有一定的差距。

（二）对浙江部分高校大学生的问卷调查与综合分析

1.部分问卷调查数据表

图1调查结果显示，大学生对讲座与学校活动的组织有一定的了解，但总体上较少参与美术相关活动，表明大学生学习美术的自觉自主性较低。图2显示，许多大学生并不认为学习美术对于自己的专业有很大帮助，甚至三分之一的学生不清楚或认为没什么用。这说明学生对美术教育的重要性认识不清，对自身的发展目标也不够明确。

图3和图4显示，能产生强烈共鸣或感觉的只有3％。由此可见，绝大部分大学生并不能从中获得审美感受，甚至有三分之一的大学生不能理解这些艺术作品，而且对于看不懂的美术作品，很多人采取置之不理的态度，这说明浙江省大学生对美术教育重要性的认识亟待提高。

图5的调查结果显示，在浙江省大学生中，有超过三分之二的人表示自己会选修美术课。在这些学生的选修原因中，较多的是丰富知识、提高修养、培养审美能力、陶冶情操、防止学习枯燥，还有的是单纯喜欢美术、对美术具有强烈的兴趣，对学习自身专业有帮助或提高生活品位；还有的学生只是为了完成学分。选择不会选修的接近三分之一，分别是不喜欢美术、没兴趣，课业繁忙、没有足够时间，自认为没有绘画天赋；认为选修课上学不到东西、听不懂；还有不少人觉得准备美术用具太麻烦又费钱。2％的学生选择“不知道”，一方面是不了解自己的发展所需；另一方面，则表示视时间而定或只会旁听或者有学分压制才会选。总的来看，大部分大学生能够从各个角度肯定美术教育的部分价值，也表现出学生意向含糊、表现出无所谓的态度。

2.调查结果综合分析

从以上调查结果的综合情况来看，浙江省普通高校公共美术教育取得了一定成果，不少在校大学生具有美术方面的基础知识与能力，认识到美术教育的部分价值，并对美术学习持有浓厚的热情及热切的期望。然而也不难发现，在校大学生对美术的兴趣和他们的总体素养还是不容乐观的。虽然大部分高校开设了公共美术教育课程，但教学效果并不理想，只有少数热爱美术的学生能够较好地接受美术教育。一些学生在选择时，优先考虑是否好得学分，是否容易过关；一部分学生没有认识到美术的重要作用，对于自己的全面发展目标也很不明确，呈现盲目性、随意性；美术课程内容、教学模式设置及教学设备上的问题（如技能与实践课程的稀少和设施条件的不足，使学生动手与创新思维能力的愿望受挫）；美术实践课程较为缺乏，评价体系亦不完善。

究其原因，一方面，“实用主义”思潮对高校公共美术教育的影响，重科技、轻人文，一些人认为学专业技能比学美术要有用得多。在这种观念指导下，高校“专才”教育大行其道，公共美术教育则处于边缘。一些大学生直言学美术“没有必要”或“有点时间还不如学点专业方面的知识”等。另一方面，社会风气――庸俗的文化盛行对大学生的冲击。随着世界经济一体化格局的形成，科技带给人们便利的同时，庸俗文化快速席卷，“浅阅读”“浅文化”迅速弥漫，对大学生的审美品位也造成负面影响。高校的迅速扩招、国家教育考试政策对大学生的综合素质影响较大，应试教育使学生在高中阶段得不到良好的艺术教育，导致高校生源的综合素质不容乐观。高校公共艺术教育的定位不明确是另一个重要问题，即主管部门不明确与课程体制不健全。高校主管艺术教育的部门通常没有独立出来，而是挂靠在学校团委、艺术学院、人文学院，公共艺术教育部门更是较少成立。在这种条件下，各高校的公共美术教育缺乏政策和制度的保障，没有针对公共艺术教育的独有的评估体系，一些高校课程设置随意，简直是有什么开什么课，单一的授课形式缺乏吸引力。

总之，各大学公共艺术教育在体制上并没有特别的规定，均以方便管理为主，“大学公共艺术教育不但要面对来自外界的忽视与质疑，也还要面对自身的零散与混乱――缺乏整体形象与整体意识，这是公共艺术教育领域直至目前还无法克服的重大（甚至是致命的）弱点”④。这些均是阻碍高校公共美术教育发展的深层原因。

三、浙江普通高校公共美术课程的建构与实施策略研究

以上从几个方面对浙江省高校公共美术教育的现状及其原因进行了分析和思考，为此，笔者就如何解决这些问题提出一点浅见，以便为浙江省高校公共美术教育的发展出一点力。

（一）明确浙江高校公共美术课程的目标

课程目标的确定在整个课程编制过程中占有非常重要的地位，不仅有助于明确课程方向，还有助于课程内容的选择和组织。第一，普通高校公共美术课程目标必须与整体教育目的、高等教育的培养目标保持一致性；第二，应该从认知、过程、情感与价值观三个维度制定目标。公共美术教育是区别于专业美术教育的，它的目的在于普及，是重在了解和欣赏感受，而不是专业技能训练，它存在的意义也不应该是“宝塔尖”的定位，而是“推广”的定位。

《课程方案》指出高校公共艺术课程的目标包括：树立正确的审美观念，培养高雅的审美品位，提高人文素养；了解、吸纳中外优秀艺术成果，理解并尊重多元文化；培养创新精神和实践能力，促进德智体美全面和谐发展等。可以说，浙江省高校在达成这些目标上具有独特的优势。浙江文化精神的一个非常重要的方面，就是人文内蕴。这种人文内蕴得益于浙江地处江南之地的山川地理与物候环境，这两者相互生发，是中国地理环境中最诱发人的情思与无限想象的地方，山清水秀，激发了地域文化的灵秀之气。在这种环境下，人们的审美品位与人文素养潜移默化地受着熏陶。另一方面，浙江的人文内蕴也得益于江南的人文荟萃。浙江是近代中国文人气息最为浓厚的地区。而且现在的杭州又是江南的核心，吸收古今中外的多元文化，具有开放与包容精神，追求自我完善。因此，浙江高校应该瞄准课程目标，减少“实用主义”和“庸俗文化”的影响，有效地利用与开发地域自然、人文资源优势来建构具有丰富人文性的美术课程。

研究表明，现代公共艺术的理念已经不再局限于传统的几个门类，人们的需求多样化，使其越来越呈现出“社会学”意义的内涵。

因此，明确的课程目标是高校公共美术课程建构与实施的起步之举。

（二）建构高校公共美术课程内容体制

建构高校公共美术课程内容体制的关键是树立“整体”的课程观念。树立“整体”的课程观念不是课程之间的拼凑，而应使课程要素形成有机联系和有机结构。“整合课程”的核心价值观念应该既涵括工具学科、人文学科、自然科学和社会科学的整合，也涵括文化与学生发展的整合，还涵括身心发展的整合和认知、情意与道德的整合。

关于课程的设置，笔者对浙江省部分高校任课教师做了调查和电话访谈，公共美术课程开设一般是由教师自行提出申请，教授内容则与教师的专业相关，各个学校开设的内容均不相同，各具特色，但存在课程结构单一的现象；同时，面对丰富的选择，大学生存在选择盲目性。现有普通高校公共美术课程在结构上依据美术学科内容进行划分，由于课程内容的丰富性，一般都将其划分为四大类别，即美术史、美术评论、美术鉴赏、美术技能与实践，在其下分别开设一定数量的课程内容。

笔者依据《课程方案》的目标、调查的现状与浙江省的优势，提出将浙江普通高校公共美术课程内容整合为两大模块――美术理论美术实践。两大模块在四个类别的基础上进一步概括。美术理论模块包括美术史美术鉴赏与美术评论，内容上可以设置美术基本常识色彩理论知识艺术概论中外美术史美术作品鉴赏（绘画雕塑建筑设计新媒体艺术等）；美术实践模块包括中国画、素描、色彩（水彩画、油画、水粉画）、装饰画、综合材料制作等。浙江高校可结合地域特色，发扬文化传统，增强美术学科与社会、文化及其他学科的联系，灵活变化，更加有趣味性，较好地规范和丰富课程内容，更多地开发学生的潜在艺术素质，将学生以学分为目标的心理调整到关注美术本身上来。“整合课程”既能加强学科联系，使学生认识到美术的重要性，又可以促进学生情和意的提升，实现全面发展的目标，不仅发挥了地域优势，而且彰显了人文内蕴。

（三）探索公共美术课程的实施方法

公共美术课程的实施可以融合感性与理性层面，从跨学科的角度、内容的综合化，引导学生学会分析、综合解决问题。一方面，可以建立美术学科与其他学科内容之间的综合。首先要寻找合适的结合点，可以选择某个历史阶段，把这个历史阶段中对美术发展起到重大影响的社会、经济、政治等内容融合到一起；另一方面，可以利用案例建立美术学科与其他学科、学生以及社会之间的关系，解决教学过程中理论与实践的脱节问题。

美术理论模块的实施便于操作，一般可采用大课堂形式、学术讲座、参观欣赏等激励学生学习美术课程的信心。从调查结果看，大学生对于参与、互动、体验、创造的渴望日益增强，对高校公共美术课程提出了新的要求，陈振濂在《大学公共艺术教育的定位、发展与改革》中阐述：“能通过这类课程的设置，在激发想象力、鼓励尝试与试验方面给予当代大学生更大的创造机会与创造热情，这应该就是公共艺术教育在自立后继续走向改革的主要目标。”但美术实践模块的实施向来存在较大难度，为此，杭州师范大学做出了相关的探索。杭州师范大学美术学院自编教材，在内容上分欣赏与技法两部分，融知识性与实用性于一体；美术实践技能训练部分设有三项内容供选择：装饰画中国画和水彩画。例如水彩画，涉及静物与风景两个领域，关于水彩画的特点特殊技法等附有典型作品欣赏，单列环节具体讲解水彩静物与风景的写生步骤，使课堂更直观，形成大学生感知能力和技法意识，培养创造热情，并能结合浙江当地艺术馆、美术馆与博物馆的活动，突出实践性。由于公共课时、教学条件的局限，对非美术专业的大学生，不必要求太强的专业性，重在让学生在理论的基础上亲身体验与感受，鼓励敢于尝试与创造的信心，能够将创造性思维有效地运用到其他学科的学习与探究中去。

以杭州师范大学为例：公共美术选修课程采用浙江大学出版社出版的《大学美术基础与欣赏》⑤，内容分欣赏与技法两部分；美术实践技能训练部分设有三项内容供选择：装饰画中国画水彩画。装饰画章节从概念特征造型构图色彩及技法上加以介绍，内容着力以艺术形式美规律、色彩基础知识和绘画应用的技巧，提高大学生视觉审美和形象思维的能力；水彩画章节涉及静物与风景两个领域，分别从水彩画的特点特殊技法等几个方面引导学生，随附典型作品欣赏，还单列环节具体讲解水彩静物与风景的写生步骤，使课堂更直观，通过临摹、写生和创作的过程，形成大学生感知能力和技法意识，培养其创造热情。由于公共课时的限制与教学条件的局限，以及面对的是非美术专业的大学生，因此实践教学模块不必要求太强的专业性，重在让学生在理论的基础上亲身体验与感受，从而陶冶人文精神，更重要的是鼓励敢于尝试与创造的信心，将创造性思维有效地发挥到其他学科的学习与探究中去。杭州师范大学在这方面已有的教学成果，可以为浙江其他高校公共美术课程的实施提供一定的借鉴。

（四）加强高校公共美术课程的管理体制

加强高校公共美术课程的管理体制是课程建构的保障。在这方面，浙江大学为我们提供了参照。依据浙大公共艺术课程两种模式的意见，浙江高校公共美术课程管理体制可以借鉴形成两种思路：一是设立独立的高校公共艺术教育机构，而不是挂靠在其他机构或相关院系。二是公共美术教学与专业美术教学使用同一套人马同一个牌子，美术学院教师兼具专业教师与公共教师的身份，将教育的专业性与公共性结合起来，在面对非美术专业学生时增加向素质教育文化艺术教育以及校园文化塑造方面的倾斜。笔者提倡第一种发展思路。之所以将公共美术教育与专业美术教育分开管理，其目的就是要扶植公共艺术教育的自主发展，公共艺术机构独立能够为浙江省高校公共美术教育今后的建设提供有力的发展平台。这个作为，能够树立公共美术教育的独立形象，健全其自身的发展。

结语

世界范围的高等教育出现了从重视专才教育向提倡专才教育和通才教育相结合的重大转变。在新形势下，我们立足于浙江省高校公共美术教育的问卷调查与现状，结合浙江省地处江南的灵秀之气和得益于江南人文荟萃的文化精神，发挥地域优势，提出了浙江普通高校公共美术课程的建构与实施策略，提出的设想进一步整合高校公共美术课程，突出“美术理论”与“美术实践”两大模块；探索实施策略，借鉴杭州师范大学的经验，增加实践特色，完善课程体制建设。适应当代社会视觉文化迅猛发展的形势，富于地域特点的公共美术课程体制建构才能解决浙江高校自身的问题，才能更好地继承与发扬传统美术文化，提升人的整体素质、完善人格，实践“以人为本”的理念。

（注：本文为杭州师范大学浙江省高校人文社会科学重点研究基地“艺术教育”科研资助项目成果）

注释：

①王青.对河北省高校公共美术教育的现状调查及研究[d].硕士学位论文.中国知网.2009.

②教育部办公厅.全国普通高等学校公共艺术课程指导方案.教体艺厅[2006]3号，2006.

③金丹，宋丽娜.试析高校公共美术的课程建构与策略实施――以浙江普通高校公共美术教育为例[j].中国校外教育（下旬刊）.2011（1）.

④陈振濂.大学公共艺术教育的定位、发展与改革――在浙江大学主办“在杭高校公共艺术教育经验交流会”上的主题演讲（代总结）.西泠印社出版社.

⑤金丹，莫小不，翟水良.大学美术基础与欣赏[d].杭州：浙江大学出版社， 2006.

参考文献：

[1]教育部办公厅.全国普通高等学校公共艺术课程指导方案（教体艺厅[2006]3号）2006.

[2]陈振濂.大学公共艺术教育的定位发展与改革――在浙江大学主办“在杭高校公共艺术教育经验交流会”上的主题演讲（代总结）.西泠印社出版社.

[3]陈瑞林.20世纪中国美术教育历史研究[m].北京:清华大学出版社，2006.

[4]罗文勇.我国普通高校公共美术课程研究[d].硕士学位论文.中国知网，2006.

[5]韩雪.课程整合的理论基础与模式述评[j].比较教育研究，2002（4）.

[6]张道森.高等学校美术公修课教学探论[j].运城高等专科学校学报，2002.

[7]黄甫全.整合课程与课程整合论[j].课程教材教法，1996.

[8]王青.对河北省高校公共美术教育的现状调查及研究[d].硕士学位论文.中国知网，2009.

高校美术论文篇8

【关键词】 高校美术教育；创新能力；制约因素

【中图分类号】g642.04 【文献标识码】a 【文章编号】2095-3089（2013）29-000-01

从目前我国各高校美术教育的现状考察，美术教师的创新能力是不容乐观的，这使得对学生创新精神和创造力的培养成为薄弱，最终造成一些学生高分低能，远不能适应现代科技发展的未来社会的要求。导致高校美术教师创新能力缺失的主要原因，笔者认为主要有以下几个方面：

一、创新主体意识的抑制

普通高校美术教师创新能力发展的前提条件是使自己的主观能动性等到充分的发挥，但是惯性思维的形成对普通高校美术教师的创造主体意识的发挥存在抑制作用。惯性思维具有两个基本特点，一是它的形式化结构，二是它的强大惯性。当客观环境无变化时，它有助于人迅速地解决问题，这是惯性思维的积极影响；但当环境变化时，它又常常阻碍人们去解决新问题，这是惯性思维的消极影响。在我们教师的教育教学过程中也存有许多惯性，需要我们努力去克服。特别是美术教学活动中，惯性思维很容易造成教师建立主观片面的判断，影响了美术教师的创新能力的培育和发展，严重阻碍了美术教学任务的顺利完成。因此，在美术教学活动中，必须重视惯性思维对美术教师创新能力的影响的研究。

二、教学理性的制约

高校教学理性权威主要表现在课堂教学组织形式上，高校传统的课堂组织形式坚持知识的理性权威和绝对主义，把接受普遍的、确定性的、客观的或绝对的知识作为认识的根本目的。其前提是坚守真实世界的客观性、真实性、结构性和存在性，学习就是为了达到与客观世界一致的目标或结果，所有学习结论都具有同一性、同步性和统一性。教学方法基本上延续传统的讲授式，即使在课堂上提倡讨论的教学方法，但讨论的目的也仅仅是为了进一步明确并牢记已有的结论，在这种前提之下无助于新思想、新观点、新方法的产生[1]。但是，高校美术教师创新能力发展要求非理性、情感、直觉与灵感等人格特，正需要宽松自由与休闲的生活环境，所以教学的理性权威制约了高校美术教师创新行为与能力的提高。

目前，高校的教学内容的确是确定性太强，没有给予教师和学生太多思维的空间。如在理论课程教学中，学生似乎只要记住确定的知识，而无须进行更多的思考。例如在美术鉴赏课程中，“达芬奇是文艺复兴时期最杰出的艺术家”、“李唐、马远、夏圭、刘松年并称南宋四大家”等结论是给定的，而在技法教学中，完善的画理画论、约定俗成的笔墨纪律、范式化的大师作品等均造成一种要求追奉的学术压力，似乎不可超越。

三、哲学修养的缺乏

普通高校美术教师的个人哲学修养、人文社会科学底蕴与创新能力密切相关。因此，美术教师要注意人文知识的积累。但是，由于普通高校美术教师没有接受西方思想的传统与习惯，致使他们很少有对新思想的领悟与理解。不善于学习新的哲学思潮，使美术教师更多习惯于复制、照抄与募仿，在自我圈子里追求个人的功利价值或孤芳自赏，缺乏对自己全面发展和人格塑造，寻求自身精神的升华和生命的意义。与此同时，他们也无法在学科相互融合、相互渗透中，在古今中外的比较鉴别中下功夫，以此来提高个人的学习品位和创新能力。人文知识在于多方积累，人文素质在于长期养成。马克思主义哲学是方法论，是以提高人的品位和质量为中心。人文社会科学知识是一个知识体系，是对古今中外的文学、艺术、历史、社会科学等方面的研究，具有价值观念和道德观的导向性，哲学、社会科学知识的学习，使教师在文品、学品和人品方面不断提升，良好的品德和文化修养、人格魅力促进专业知识的创新和专业素质的提高，达到学科发展、教师发展和学生发展在教育教学中的和谐统一。

四、环境宽松度的缺失

环境是一种无言的教育，开放自由的环境是提高高校美术教师创新能力的保障。环境的影响主要体现在三个方面：第一，物质情境的影响；第二，人际情境的影响；第三，文化情境的影响。所谓“办大学就是办氛围”。一个人能否产生创造性思维和成果与其创新能力和创新精神两个方面都具有很大的关系。而创新精神能否得到很好的发挥，则与是否有一个良好的创造环境密切相关。

当前我国高校美术教师的学术环境是有待改善的，还未形成良好的学术环境，主要是没有营造一个求实、创新、宽松、协作的学术集体[2]。近亲繁殖、思维禁锢、各种学术流派和研究方法不能够很好的交叉融合，教师高高在上，不能和学生平等对话、学术上少见自由、平等的讨论和创新思想火花的迸发、不能鼓励探索、不能宽容失败、公平合理的职称评定和聘任制度很多时候流于形式等等。

五、职称评定体制的影响

目前高校教师职称评聘制度给普通高校美术教师的创新能力的发挥制造了不少阻力。其主要是高校职称评聘的弊端导致的结果。

第一，“平均主义”、“论资排辈”的观念严重阻碍优秀青年人才的成长。由于长期以来实际职称评定所带来的弊端，使得在一些高校中重资历、轻水平、忽视能力的现象普遍存在，以至于在一些学校教师职称结构已快呈“倒金字塔”的不合理状况。

第二，现行的专业技术职务聘任制实际上是待额评聘制。专业技术人员认为只要任期届满，就应该晋升，一旦取得任职资格，学校领导就要聘任，聘任就要兑现工资，聘任以后就终身享受待遇。这种资格与待遇挂钩，但与岗位职责严重脱节，造成了“因人设岗、有岗无责、论资排辈、人浮于事”等弊端。

第三，现行高等院校教师职称评审中存在重科研轻教学的现象。在评审条件中，对教师的著书立说、论文、科研项目鉴定和获奖等都有具体规定，而教学工作量、教学效果等都被认为是软条件，存在着一硬一软的现象。于是，很多教师把主要精力用于搞科研，轻视教学工作，影响了教学质量。

第四，评聘重评审轻聘任。目前在许多高校中，聘任制流于形式，不聘任或不续聘的人员极少。几乎有了任职资格，也就等于聘任上了岗，并且一直被聘任到退休。一旦职称到手，压力在一部分人的心中消失了，不思进取。

第五，考核制度和办法不完善。教师考核工作的初衷是对教师一年工作的数量、质量进行评价，奖优罚劣。但目前许多高校的考核工作流于形式，缺乏应有的激励作用和生命力。造成这种现象的原因，一方面是由于考核制度本身造成的，另一方面是受长期以来大锅饭、平均主义的影响。

总之，制约高校美术教师创新能力发展的因素是多方面的，同时各种制约因素是相互作用、彼此联系地影响着创新能力的发展，客观正确地分析这些因素，找出问题存在的根源，逐步给予解决，才能使其创新能力不断得到发展与提高。

参考文献

高校美术论文篇9

美术史是一门叙述美术的起源、发展、变化和衰颓以及不同民族、不同时代和不同艺术家及其不同艺术风格的学科。在我国高等院校学科课程规划中，除部分美术院校设有美术史系对之进行专门研究外，美术史又是美术院校非美术史专业的必修课，该课程设置的目的是为了使学生积淀美术史知识，拓展艺术视野，提高艺术修养和人文素养，并对其艺术实践产生积极的指导作用。 一、存在问题 尽管美术史是美术专业的一门主干课程，“但在我国高等艺术教育教学中，非美术史专业的美术史课程教学多年来一直是最薄弱的”[1]一环，无法完成教学任务，无法真正的达到教学目的。原因有如下几点： （一）美术史课程形同虚设 “重技法，轻理论”的培养模式虽通常为世人所诟病，但大一统的“唯技法论”现象在我国高等艺术教育教学中依然普遍存在，尤其在高等教育大众化、就业形势日益严峻的今天，美术史理论课学科性质特点致使其在求职时不如美术技能那样受宠，因此我国美术院校非美术史专业的美术史课程更遭遇院系领导、一般教师乃至学生的普遍漠视，形同虚设。 （二）师资力量相对薄弱 “重技法，轻理论”培养模式的推行，加之人事改革力度的增强，必将导致美术院校形成美术史专业教师虽严重不足却因编制紧缺而无法改善的硬伤，进而造成美术史课程不得不由技法课或其他非美术史专业教师教授的荒唐现象，故美术院校非美术史专业美术史课程师资队伍总体难免具有良莠不齐和力量相对薄弱之嫌。 （三）授课方式固化、单一 美术院校美术史授课方式一般为课堂教学，这种“圈养式”授课方式虽利于知识的集中传授，便于统一管理，但其缺陷却也不容忽视。固化、单一的授课方式，既易于学生厌学情绪的滋生，又一定程度上限制了学生视野的拓展，也不利于其理论联系实际能力的培养。 （四）授课内容的所谓“重点论”和人为“中心论” 美术的范畴既包括绘画，又涵盖了书法、建筑、雕塑以及工艺美术等艺术形式。但部分艺术院校美术史教师教学中却通常对绘画艺术凸显有余，而书法、建筑、雕塑等艺术形式则一带而过，这种所谓的“重点论”和将美术史简单等同于绘画史的美术史观，无疑是狭隘的。此外，他们又极力标榜“晋、唐、宋、元精华论”和“欧洲中心论”，致使其他国家和地区的美术处于被边缘化的地位，显然这种“精华论”和“中心论”已严重违背于人类美术发展的史实，是非常荒谬的。 （五）成绩考核方式不科学 美术院校美术史课程成绩考核通常采取百分制，一般由平时成绩（40%，包括出勤、作业等）和考试成绩（60%）两部分组成，考试方式的固化和所占分值的过于突出，易于学生投机取巧和作弊行为的滋生，甚至会导致“平时不烧香、急来抱佛脚”的学生成绩远远超过学习刻苦学生成绩的荒唐现象，导致学生学习兴趣的丧失，所以极不科学。总之，美术院校非美术史专业美术史教学中出现的上述问题，已严重制约了美术史教学的顺利进行，影响着人才的培养，因此必须对非美术史专业美术史课程进行教学改革。 二、改革措施 （一）改革培养模式，重视美术史教学 美术史可以积淀美术知识，拓展艺术视野，提高艺术修养和人文素养，因此美术史的滋养无疑是技能更上一层楼的原动力，而理论的缺失，必将使技能提升呈现后劲严重不足的发展态势，所以美术院校必须改变“重技法，轻理论”的培养模式，而要“两手抓，两手都要硬”，只有技法、理论“两条腿走路”，才能确保艺术院校非美术史专业美术史教学又快又好地走上健康发展道路。 （二）建设“又红又专”的师资队伍 美术院校非美术史专业美术史课程师资队伍良莠不齐、力量相对薄弱的特点，决定了“又红又专”师资队伍建设的重要性和紧迫性。首先，美术院校院系领导要纠正“唯技法论”的错误观念，充分重视美术史课程教学，并适度引进一些美术史专业教师；其次，部分非美术史专业美术史教师也应汲取更多美术史学科专业知识，努力钻研教学。总之，只有新鲜血液的注入和非美术史专业美术史教师的专业化，才能从根本上改善高校非美术史专业美术史课程师资队伍良莠不齐、力量相对薄弱的窘况。 （三）改善教学环境,发掘教学资源 客观条件所限，美术院校师生接触美术作品原作的机会不多，加之美术的视觉性和“读图时代”的来临，决定了美术史课堂授课时应充分利用幻灯片、投影仪、多媒体以及网络资源等多种现代化教学设备展开图片教学。“这样的教学环境不仅有利于教师传播知识，有利于教师有效地调动学生的学习兴趣和提高学生的艺术鉴赏能力，更有利于提高学生审美文化素质目标的实现。”[2] 此外，美术史学科知识体系开放的性质，要求教师应大胆走出课堂，充分利用美术馆、博物馆、画展等各种教学资源进行教学，并尽可能组织学生对美术遗存进行实地考察，体验历史上美术作品的原生态，这既可以拓展学生艺术视野，丰富学生美术知识，又可以检验学生学以致用、理论联系实际的能力，可谓一举多得。 （四）改革拓展授课内容 首先，应纠正把美术史简单等同于绘画史的狭隘美术史观，打破所谓的“重点论”，将书法、建筑、雕塑以及工艺美术等与绘画艺术一视同仁。其次，在美术史漫长发展历程中，世界民族无论强大与否，都为人类的文明做出了重要贡献，因此要批驳所谓的“中心论”，树立“平等论”的科学观点。最后，美术史是文化史的一部分，故应纳入特定社会历史文化背景之中进行阐述，而美术专业学生通常对文史、哲学知识缺失，因此美术史教师授课时应适当拓展文史、哲学知识。#p#分页标题#e# （五）完善考核评价机制 美术院校非美术史专业美术史课程现行成绩考核方式，不能客观反映出学生知识掌握的状况，因此必须改革考核评价方式。平时成绩仍占40%，考试成绩则削减为30%，另30%则增为答辩方式。虽然考核环节较以前复杂，但这种考核评价机制的引入能较为客观地反映出学生知识掌握状况，避免付出与收获严重错位窘况的再现。 三、结语 我国高等美术院校非美术史专业美术史课程教学中存在的诸多问题，已严重制约了教学的正常开展和人才的培养。为了改善学生质量继续下滑的尴尬状况，确保非美术史专业美术史课程教学尽快走上良性发展道路并适应时展需求，对美术院校非美术史专业美术史课程进行教学教改的意义十分重大。

高校美术论文篇10

作为一位从事高等院校美术教学的教师，我时常会为学生艺术理论知识的困乏而感到疑惑和惊讶。之所以会疑惑，是因为在我看来，作为一名接受高等美术教育的学生，不但要画得好，而且要对中国古代、近现代以及西方的绘画思想、理论、流派等都要有一个较为系统的了解；而令我惊讶的是，目前许多学生大都片面地认为只要把画画好，那些理论知识都是一些玄之又玄的空话和套话而不愿花大力气学习。其实，凡是正在从事美术教学和研究的工作者都会对这种疑惑和惊讶深有感触，也会对这种现状深感忧虑。尤其是近年来随着高等院校美术专业的招生规模的扩大，此类问题愈加令人担忧。倘若任其发展，不对其进行认真分析和思考并找出对策，那么在未来的发展中势必会造成中国整体美术教育质量的降低，对中国美术的未来发展产生不利影响。

一、高等院校美术专业学生理论素养低的原因

具体来说，高等院校美术专业学生理论素养低，既有学生自身的原因，也与社会、学校教育和教师素质有极大关联。

首先，学生对绘画缺乏全面认识和真正兴趣，重技法轻理论。有一些学美术的学生并不是一开始就对美术产生了浓厚兴趣，由于语文、英语、数学等分数低、基础差就转而学习美术，考美术只是一种临时的决定而非发自内心的兴趣与喜爱。此外，美术类高考招生对文化课成绩的要求较之其他专业相对要低，而近几年高校的扩招，对学生的文化课成绩的要求又比以前更低。等这些学生考上大学以后，由于本身文化程度偏低，再加上对自己的学习缺乏明确的目标，在专业学习时还一味看重自己所赖此考上大学的专业技能技巧的训练，以为只要画得好、画得像就等于学好了绘画。在思想认识上，对自己绘画技法和创作水平的提高很容易满足，觉得理论枯燥、抽象、乏味而忽略了对艺术理论的学习，致使自身对艺术的精神境界和内在本质认识不够，最终制约其创作实践水平的提高。因而，有识之士大声疾呼：“目前，美术教育中最大问题是不注意人的智能、想像力以及美术思想和社会意识方面的充实启发，更忘记了美术是人的事，必须培养出生动活泼的人，才有生动活泼作品……因之，当代美术教育，以技术培训为主，无论从培养画家，还是提高整个国民素质而言，皆不可取。”这确实值得我们认真加以反思和总结。

其次，高校美术教育思想和观念陈旧，专业与课程建设缺乏理论深度，缺乏自由开放的精神和艺术创新意识。目前，许多高等院校美术系在教学安排上主观随意性很大，理论课与实践课的课时比例严重失调，无视“因材施教”的传统教育理念，较少考虑各类学生的实际需求，没有从根本上对美术课程体系进行有步骤、有特色的深入研究，没有正确处理好美术课程与其他人文课程的关系，使得学生的艺术敏感度和对艺术理论能力的掌握都受到限制。

再次，高校美术教师重创作指导而轻理论引导，且自身理论素养有待进一步提高。由于受当前商业大潮的冲击和市场经济的负面影响，有一些教师往往急功近利，缺乏敬业精神和教学责任感，重视对学生绘画技法的指导而忽略绘画理论的学习，不注重借鉴相邻学科的知识，视野狭窄，见识短浅，偏重一些实用性较强的知识而不注重对自身教学理念、教学手段和教学方法的革新。长此以往，无疑会给美术专业学生理论素养的提高产生消极影响。

二、高等院校美术专业学生提高理论素养的意义

爱因斯坦在《培养独立思考的教育》一文中指出“用专业知识育人是不够的。通过专业教育，他可以成为一种有用的机器，但是不能成为一个和谐发展的人。要使学生对价值有所理解并且产生热烈的感情，那是最基本的。他必须获得对美和道德上的鲜明的辨别力”。从中，我们可以解读出完善专业教育的必要性，看到教师的责任感和使命感，而且可以解读出学生全面发展的重要意义。应用在高等院校美术教育中，那就是要把美术专业教育完整化，不但要学习专业技能，而且要加大理论学习的力度和强度，要求我们所有的美术教师要用心和学生进行沟通交流，把理论学习提升到一个与技法学习同等重要的高度。因为，优秀的艺术理论是无数画家和画论家长期实践的结晶，是绘画艺术发展的航灯，使画家和观众能够在理论的指引下找到自身评判艺术的标准和方位。正如陈传席在论及傅抱石的绘画成功原因时所进行的深情、合理的论述：“他绘画之成功……其中有一点要注意，就是他精通美术史”，“古今第一流大画家没有不通美术史的……。艺术固然是以技术为基础的，但却不是以表现技术为目的，技术不过是表达画家性情的一种工具，而且这种工具还要靠人的知识修养去控制……最重要的是，美术史作为学术能丰富人的精神，充实人的心胸，提高人的品质，增益人的学问”。其中深意振聋发聩，需要每一位有志于在绘画方面有所建树的学生细细咀嚼和玩味，以期对自己有所启示。理论永远是先行的，不论它是合理的，还是有失偏颇的，它都会对现实的艺术发展产生重要影响。可以说，美术界每一次大的浪潮都是由美术理论思想和观念的变革而引起的。当前诸如“中国画已经走入了穷途末路”、“中国画面临走向死亡的必然命运”、“中国画之墙非倒不可”的争论便是明证。由此，不重视理论的学习就会使我们迷失艺术的发展方向，就会使我们在当代艺术多元发展的进程中患上“失语症”，进而影响艺术技法的提高和改进。中国画何去何从的问题归根结底要寄希望于绘画思想和理论的创新。因此，我们当前迫切需要真正有价值的学术性的理论研究来引领，迫切需要高等院校重视对绘画理论人才的培养，迫切需要学生重视对艺术理论的学习和研究，以期在将来担当起开拓绘画理论话语空间、培养绘画人才的历史重任。

三、当下高等院校美术专业学生提高理论素养的对策

第一，美术教学和招生要有当下意识，注重学生全面知识的学习。当前几乎所有的美术教育在招生、教学上都是重视素描、速写、色彩等必需的专业训练，而忽略对学生全面知识的讲授，强调工匠式的教学而不是培养具有专业素养的画家，进校后仍然整齐划一地重复着这样的训练，使得我国美术专业的学生只是拥有几本画册和美术专业书籍的技术型学生。与此相比，“西方的美术系学生美术专业的学分只占40%，文史方面的学分占40%，还有20%要到数理化等学科中去选。这就是说他们注意培养有全面知识的人才而不是培养工匠。”更亟待解决的是，我国美术专业的学生对传统文化的冷漠和对绘画技法的过度关注令人担忧，我们必须要从根源和制度上改变当前高等院校美术专业的教学和招生，把当下意识贯穿其中，与时俱进，积极地融入活生生的社会现实。#p#分页标题#e#

第二，提高思想认识，开展多种形式，把专业技能学习与理论学习相结合。高校美术院系应该大胆革新教育理念，合理平衡美术技能课与理论课的课时比例，正确认识理论素养的提高对于学生、学校、社会的重要影响和巨大作用，从教育体制到教育体系上给理论学习以准确定位。学校、院系可以通过多种形式有效开展理论学习，邀请校外真正具有高超理论素养的专家和学者到校开设讲座，变抽象为生动，提高学生学习理论、研究理论、创新理论的兴趣。

第三，抓好美术课堂教学，不断强化理论学习。课堂教学是加强对学生理论学习的重要平台和直接途径。艺术理论的学习和研究应该穿插到美术专业各科教学之中，要特别强调在专业课中渗透理论研究，挖掘专业课的理论深度和内涵。在学生绘画过程中，教师就要有意识的培养学生的思维和表达方式的独特性。因为美术创作所要求的形象思维、直觉、灵感以及创造力等都可以在理论知识的讲授中得到体现。尤其是在讲授美术史论与美术鉴赏的过程中，教师应着力引导学生分析美术作品背后所蕴含的价值取向和审美意味，把重点落实到培养学生健全的人格、自由开放的精神和艺术创新意识上来。