平面设计论文范文10篇-欧洲杯买球平台

平面设计论文范文篇1

普遍情况下，设计被分成平面设计、立体设计、空间设计。平面设计是指在平面上，通过文字、图形、色彩、版式安排，具有艺术性、功能性、相应的科学技术含量并具有时代特性的设计。

随着现代科技的调整发展和设计领域不断地扩大，设计又因此被分为视觉传达、产品设计、环境设计等。平面设计与视觉传达设计在一般情况下同指一个范围。在很多时候，有很多人对平面设计与视觉传达设计的认识存在很大误区，他们认为这是两个非常不同的概念，但分不清他们到底从哪区别。一般来说，平面设计与视觉传达设计，同指在二维空间之上的设计，只是从不同侧面表述而己。平面设计重在设计之“物”，而视觉传达设计重在为“人”设计。但两者都是在二维空间上进行设计，然后把所要表述的信息通过刺激“人”的感官而达到其目的。严格地说，平面设计较视觉传达设计的范围，稍微窄一点。视觉传达设计除了包含二维空间设计外，还包含三维空间的展示设计，展示设计不仅仅包括“物”“人”，还包括“场地”和“时间”。因此平面设计与视觉传达设计不能等同论之。

二、找准创意切入点是做好平面设计的关键

现代平面设计紧随着时代的步伐，不断在更新换代，随着新思维、新观念、新科技、新媒体、新材料开发利用，表现形式越来越复杂。设计者不得不时常寻找一个最为恰当的设计切入点，让他们的平面设计一鸣惊人。

作为平面设计者的我们，如何在这琳琅满目、层出不穷的平面设计大海中脱颖而出呢？如何在这更新热浪中迎接滚滚而来的挑战，鹤立鸡群呢？这就要求设计者有着独到的创意，这种创意既显个性，也最为受众所认可与接受。怎么做到这一步呢？关键之一就是要找准平面设计的最佳切入点。

权威人士认为“一个伟大的平面设计不是一个好的广告所要传达的东西；一个伟大的平面设计能改变大众文化，一个伟大的平面设计就是能够开创一项事业或挽救一家企业。”有专家形容，平面设计好比一个塑造过程：在受众的脑海中塑造一种虚拟的形象，并不断的使这种形象更加清晰、更牢固。在这个过程中设计师所设计的作品，就是商家在市场中立足和发展的媒介。不管是从商业还是从非商业去思考，平面设计伟大的关键在于创意；创意的本质，就是改变，甚至是颠覆。因此，找准最佳创意切入之点是做好平面设计的关键。

三、创意切入点的路径与手段

1.平面设计的构成元素是创意切入点的直接通道

平面设计的构成元素包括：文字、色彩、图形。

平面设计作品中的文字已不仅仅是从字意上传递信息、表述内容，而是更多的可以从形态上追求个性化、风格化的形式语言，从而达到作品整体性状态的具体指向。当文字作为平面设计中的一个元素时，文字的形状、大小、位置、排列疏密，本身的节奏、韵律都能传递特定的信息。作为与点、线、面、色彩一样的视觉符号，在形式的安排下，使之在结构上成为不可分割的设计元素，从而赋予了文字更深刻、更丰富的内涵。

色彩是一个无声的语言，它能通过它的冷暖色调、明度纯度、色彩调和、对比、大小面积、位置等把设计者想传达的信息传达给受众。它能反映某种民族文化，能传递喜怒哀乐、酸甜苦辣，能表达人情冷暖。合理的色彩运用，可以把最佳的设计主题信息传递给受众。

图形，在平面设计中称插图，是现代平面设计必不可少的构成元素，插图形式多种多样、包括摄影、绘画、构成图形等。比如用摄影作品作广告，以它为广告设计主体，在其上加以再创作的艺术表现形式，它明确清晰的视觉形象比文字、符号及抽象的构成形式更为直接和可读，这是以一种情节化的姿态来阐述其广告主题的，因此设计可充分利用图形这一元素直接进入平面设计主题。

文字、图形的合理编排也是平面设计创意切入的一个通道，我把其归之为平面设计构成元素之中。

2.设计目标的准确定位是创意切入点的主要渠道

我们做平面设计，尤其是商业方面的平面设计，创意的形成始终有一个核心点来支持，这一核心点指的是消费者、市场动态、生产定位三个层面，它是设计的核心目标，是创意切入点的主要渠道。

这种创意之“点”非常难以寻找，因为创意点是由目标消费群的所需和产品结构定位、市场局势三者最佳结合所产生出来的。消费群的需求方向是一个不定式，而产品对其的产生吸引力的点也颇多，但你所要确定的却只有一点。竞争的潮流中，同类产品越多，创意设计的水准就越高，切入新点就越不容易找到。我们因此要对消费群、市场动态、生产定位有一个全方位的掌握，通过设计者的脑，收集信息、发散联想、归纳精简、提炼，然后确定创意最终切入点，直到设计作品出炉。不同的设计师有不同思维，他们创意切入点也就有所不同。但总体有三个大的切入点：消费群、生产定位、市场需求。消费群是商品主要需求对象。

3.民族文化的理解运用是创意切入点的重要渠道

世界之所以丰富多彩，不同民族文化有着不同的生活与意识观，行为模式、生活情趣、思维方式、价值观念有着独特的偏向，创意设计的切入点从民族文化上下手，会有着意想不到的效果，因为各民族鲜明的文化特质，最能吸引观众，它即是民族的、却也是世界的。

平面设计本身就是一种文化，也是一门艺术，而创意则是设计艺术的灵魂。我们以广告为例，设计者在做广告设计之前首先对广告主题内容、表达形式所进行的观念性的文化构思，然后对其中锁定受众的社会文化，民族特色、生活习俗、人文地理的了解。其目的在于把产品信息高度凝炼，植入公众认同的文化氛围之中。

靳埭强先生的设计作品多运用中国水墨文化。水墨画是中国画的一种，是中国民族文化的缩影，内含了中国古老文化的精髓，文明古人在以水墨抒发情怀的同时也赋予了水墨浑厚的文化底蕴。靳先生在现代平面设计中借用水墨文化来表现，充分体现了靳先生对水墨文化语言深度理解与深厚的中国传统文化修养。他从整体的表现形式、构图结构中体现出东方文化的审美理念。大师采用的天圆地方、平衡稳重、大面积留白等这些构图形式也源于中国传统的古代哲学和审美意识。

把一种新的创意手法培植于传统文化的根基上，可以在日新月异的国际创意的发展中出现更大的空间，对于正在发展社会中的平面设计者，提供又种新的展现平台。

4.设计工具是创意切入点传递的重要手段

我们做设计，起初是手绘，然后有了印刷，之后出现了摄影、电脑图形图像处理。综合运用不同的设计工具，是现代设计最常用也非常重要的设计手段。手绘的痕迹，真实与抽象的照片形式、电脑的后期处理等艺术创作手段的混合使用，使得创意主题的传达更为准确，也使得作品的整体性更加完本论文由整理提供

善。新的表现手段的应用，一方面使作品的设计周期大大缩短，作品更加真实可信，另一方面使设计涉及的范围越来越广，原来不敢想象的表现手段成为可能。设计的题材和表现方法也不断地扩展，这其中最重要的是设计师的思维不停地在运转，思维方式在不断的发生变化，致使整个社会中的受众人群也相应的运转和改变。

当然，设计工具不意味着无所顾忌地作为设计手段而加以滥用，比如电脑处理图像与文字时，如果文字设计面目全非，或在某种程度上形成了视觉上的混乱与无序，从而在阅读上产生障碍；只为好看而把摄影图片随便引用插入，不考虑内容与主题；不考虑色彩本身的含意与色彩与民族文化、生活习俗的联系而滥用等，这种毫无目标地去设计，都会给设计界带来严重的伤害。

四、小结

总之，平面设计的创意切入点会层出不穷，因为创意切入点的界定是随着受众对事物不同状态的接受程度而定的，所以切入形式复杂多变。随着时间的推移，时代的进步，设计的观念也在不断地变化。过去被禁止的，现在正在盛行，而现在被禁止的，也许将成为将来的创意规则，因此最佳切入点的路径与手段也因此而变化着。有一点，过去与现在却都是相同的，那就是：想做好一个平面设计，你必须努力，尽可能寻求到最佳切入点，使你的平面设计更能吸引受众眼球，达到设计目的。

参考文献：

[1]尹定邦著.设计学概论[m].湖南：湖南科学技术出版社，2004.6

[2]郭茂来著.视觉艺术概论[m].北京：人民美术出版社，2000.7

[3]解勇.张世卓.杨晨光.世界平面设计新搜索[m].辽宁：辽宁美术出版社，2000.12

平面设计论文范文篇2

【论文摘要】设计在西方发展了百年，而在中国现代设计只有不到二十年的发展时间。因而受诸多因素影响，中国的早期平面设计教学从内容形式到制作方法都过于单调，传统工艺美术型的设计教育已无法适应社会的发展和市场的需求，在现代设计多元化发展的大趋势下，新理念、新思维不断介入人们的生活，中国的平面设计应在实践与探索中思考与寻找设计的未来之路。这为中国现代平面设计教学提出了新的要求。

现代平面设计教育在我国已有二三十年的历史。面对中国偌大的设计市场，国内的美院、综合性大学等纷纷开设设计系以应对这种局面。经过这么多年的设计教育，各高等院校也顺应时代需要做出一些相应的改革。其中，就过去美术院校的“工艺系”到今天的“艺术设计系”名称的改变可窥到设计教育中改革的印记。作为一个青年教师，我想当前平面设计教学问题谈谈自己的一些看法。

一、当前平面设计教学存在的问题

平面设计本身是种对生活方式的创造。在人类历史上，设计成为一种独立的活动时也标志着

人类文明进程的前进步伐。但客观地看，目前的平面设计教学自身还不很完善。

首先，在教学中重视造型基本功，这本无可厚非，但却同时忽略了学生的创造性。我们应该知道一个浅显的道理：站在巨人的肩膀上可以看得更远。今天的学生正是在前人成功的基础上前进。因而，旧的平面设计教学体系显然已经不适应当前形势。正如用安格尔的方法不会有凡高；用徐悲鸿的方法也不会有贝聿铭一样，纯美术(油、版、雕)的造型训练、色彩练习，对于平面设计而言，并不是完全适用的。

其次，在大学四年的课程安排中，过多的基础训练，导致了学生对理论研究的严重不足。平面设计是一个边缘学科，学科间的交叉明显。因而，在教学过程中，多安排一些理论课是有必要的。

再次，前面提到了“包豪斯”的教学。本来，包豪斯重实践、重技术与艺术的结合等等，都是平面教学应当学习的。但由于一开始对其理解的偏差，导致了今天各院系的平面设计专业明显地缺乏活力、创造力，对平面设计的理解也明显落后于时代。很多学生作品毫无新意，且忽略了自身的民族特点，放弃了几千年来中华民族的文化积淀，没能很好地将平面设计教学与社会生活联系起来。

二、加强平面设计教学的几点建议

1.课程体系中应增设“设计管理”课程

过去我们搞平面设计教育，以工艺美术教育为主。自八十年代初期以来，从日本和我国香港、台湾等地区引进企业形象策划(ci)潮以来，教学上就有了些改革。基础教学我们沿用的依然是包豪斯传下来的三大构成。这时候的平面设计专业(或者装潢专业)的课程设置以企业形象策划为主。而且在引进ci方案时，我们把它分为：mi(理念识别)，bi(行为识别)，vi(视觉识别)三大块。设计专业的教学以视觉识别为主。而“设计管理”课程是在市场化的前提下、在设计专业发展的过程中逐步建立的。从我国改革开放到今天总共不过23年，各领域都在经济大潮中摸索着前进。我们的现代设计教育时间更短，“设计管理”课程的缺失是有其原因和社会背景的。随着改革开放的深入，企业内部科学的管理体系也逐渐完善。在此基础上，设计师面临的与创作对象(企业)之间的交流日益重要，“设计管理”课程也就提上日程。

在过去我们的平面设计教学中，仅以设计的基本创作为主线，没有注意到与创作对象(企业)之间的沟通，再加上技法滞后等造成：

(1)学生只顾埋头做手工设计的技法练习和相应的简单肤浅的设计思想的思考，对设计的深入思考缺少认识。

(2)理论体系不健全，对所学专业企业形象策划(ci)缺少认识的完整性、高度性。

(3)目前我国在法律、法规、市场运作等方面处于一种逐渐完善的阶段。因此对设计管理课程的设置应有所高度的认识。

2.平面设计教学应模糊学科间的边缘界限

在这样一个知识大爆炸的时代，设计学科的边缘性要求新的设计人才必须是综合性人才，而不是一味地“专”下去。平面设计在现代社会扮演的不仅是传达信息的角色，同时还担当了传达思想的、甚至是传承文化的重担。因此，要注重培养学生各方面的综合素养，如文学、哲学、艺术等。要让学生认识到平面设计专业自身就是艺术、技术、社会生产力等交叉而兴盛的一种新的学科，其自身的边缘性应在教学中得到体现。另外，还可在课程中尝试开设市场学、消费心理学等课题。当然，在强调学科“边缘性”时，并不是要求平面设计者个个成为多面手。模糊学科间的界限，不是模糊专业本身，只是学科间的交叉有利于平面设计自身健康、全面地发展下去。既然平面设计成为一门独立的学科，那么，专业性是其立足点。

3.平面设计教学要注重个性化设计的培养

20世纪80年代中期，电脑的出现为我们的设计带来了前所未有的变革。速度和质量是其最突出的表现，它大大提高了平面设计者的工作效率和作品的制作工艺。在这种形势下，平面设计教学工作应主动适应不熟悉的领域，要在这个需求逐渐提高的新环境中不断提高平面设计教学的水平，跟上科技的进步的步伐。面对科技带来的种种压力和飞速发展的商业环境，设计教育的重要性不断增强，对设计者潜在能力的要求不断提高。

随着电脑的普及和软件的应用，平面设计逐步走向程式化，这就要求设计创意必须具有个性。设计的本质是创造，设计创造源于设计的创造性思维。个性化是设计师对平面设计个性差异的独到见解。平面设计教学应通过对设计原理、设计内容等理论知识的讲授，注重培养学生设计创意个性化的表达，倡导设计风格，挖掘个人与众不同的创造性思维，使设计具有鲜明、独特的个性表达和强烈的视觉冲击力。

平面设计论文范文篇3

平面设计本身是种对生活方式的创造。在人类历史上，设计成为一种独立的活动时也标志着

人类文明进程的前进步伐。但客观地看，目前的平面设计教学自身还不很完善。

首先，在教学中重视造型基本功，这本无可厚非，但却同时忽略了学生的创造性。我们应该知道一个浅显的道理：站在巨人的肩膀上可以看得更远。今天的学生正是在前人成功的基础上前进。因而，旧的平面设计教学体系显然已经不适应当前形势。正如用安格尔的方法不会有凡高；用徐悲鸿的方法也不会有贝聿铭一样，纯美术(油、版、雕)的造型训练、色彩练习，对于平面设计而言，并不是完全适用的。

其次，在大学四年的课程安排中，过多的基础训练，导致了学生对理论研究的严重不足。平面设计是一个边缘学科，学科间的交叉明显。因而，在教学过程中，多安排一些理论课是有必要的。

再次，前面提到了“包豪斯”的教学。本来，包豪斯重实践、重技术与艺术的结合等等，都是平面教学应当学习的。但由于一开始对其理解的偏差，导致了今天各院系的平面设计专业明显地缺乏活力、创造力，对平面设计的理解也明显落后于时代。很多学生作品毫无新意，且忽略了自身的民族特点，放弃了几千年来中华民族的文化积淀，没能很好地将平面设计教学与社会生活联系起来。

二、加强平面设计教学的几点建议

1.课程体系中应增设“设计管理”课程

过去我们搞平面设计教育，以工艺美术教育为主。自八十年代初期以来，从日本和我国香港、台湾等地区引进企业形象策划(ci)潮以来，教学上就有了些改革。基础教学我们沿用的依然是包豪斯传下来的三大构成。这时候的平面设计专业(或者装潢专业)的课程设置以企业形象策划为主。而且在引进ci方案时，我们把它分为：mi(理念识别)，bi(行为识别)，vi(视觉识别)三大块。设计专业的教学以视觉识别为主。而“设计管理”课程是在市场化的前提下、在设计专业发展的过程中逐步建立的。从我国改革开放到今天总共不过23年，各领域都在经济大潮中摸索着前进。我们的现代设计教育时间更短，“设计管理”课程的缺失是有其原因和社会背景的。随着改革开放的深入，企业内部科学的管理体系也逐渐完善。在此基础上，设计师面临的与创作对象(企业)之间的交流日益重要，“设计管理”课程也就提上日程。

在过去我们的平面设计教学中，仅以设计的基本创作为主线，没有注意到与创作对象(企业)之间的沟通，再加上技法滞后等造成：

(1)学生只顾埋头做手工设计的技法练习和相应的简单肤浅的设计思想的思考，对设计的深入思考缺少认识。

(2)理论体系不健全，对所学专业企业形象策划(ci)缺少认识的完整性、高度性。

(3)目前我国在法律、法规、市场运作等方面处于一种逐渐完善的阶段。因此对设计管理课程的设置应有所高度的认识。

2.平面设计教学应模糊学科间的边缘界限

在这样一个知识大爆炸的时代，设计学科的边缘性要求新的设计人才必须是综合性人才，而不是一味地“专”下去。平面设计在现代社会扮演的不仅是传达信息的角色，同时还担当了传达思想的、甚至是传承文化的重担。因此，要注重培养学生各方面的综合素养，如文学、哲学、艺术等。要让学生认识到平面设计专业自身就是艺术、技术、社会生产力等交叉而兴盛的一种新的学科，其自身的边缘性应在教学中得到体现。另外，还可在课程中尝试开设市场学、消费心理学等课题。当然，在强调学科“边缘性”时，并不是要求平面设计者个个成为多面手。模糊学科间的界限，不是模糊专业本身，只是学科间的交叉有利于平面设计自身健康、全面地发展下去。既然平面设计成为一门独立的学科，那么，专业性是其立足点。

3.平面设计教学要注重个性化设计的培养

20世纪80年代中期，电脑的出现为我们的设计带来了前所未有的变革。速度和质量是其最突出的表现，它大大提高了平面设计者的工作效率和作品的制作工艺。在这种形势下，平面设计教学工作应主动适应不熟悉的领域，要在这个需求逐渐提高的新环境中不断提高平面设计教学的水平，跟上科技的进步的步伐。面对科技带来的种种压力和飞速发展的商业环境，设计教育的重要性不断增强，对设计者潜在能力的要求不断提高。

随着电脑的普及和软件的应用，平面设计逐步走向程式化，这就要求设计创意必须具有个性。设计的本质是创造，设计创造源于设计的创造性思维。个性化是设计师对平面设计个性差异的独到见解。平面设计教学应通过对设计原理、设计内容等理论知识的讲授，注重培养学生设计创意个性化的表达，倡导设计风格，挖掘个人与众不同的创造性思维，使设计具有鲜明、独特的个性表达和强烈的视觉冲击力。

4.平面设计教学要符合人性化与绿色设计需求

平面设计论文范文篇4

论文关键词：中国传统艺术现代平面设计招贴广告标志设计中国设计

中国五千年积聚下来的文化，是历史文明演化而汇集成的一种反映民族特质和风貌的民族文化．是民族历史上各种思想文化、观念形态的总体表征．具有鲜明民族特色的、历史悠久、内涵博大精深、传统优良的文化：它有无处不在的广博性，或移花接木、或一脉相承的传承性，潜移默化的影响性，是我们走向现代化所凭借的精神支柱。可以说传统文化已经影响着我们生活的各个方面。包括对我国艺术设计的发展也带来了巨大的影响，而传统艺术作为传统文化中重要的元素，其创作和发展也离不开孕育她的民族特性和民族习惯。

一、中国传统艺术概述

我国传统艺术的遗产极其丰富并且辉煌。绘画、书法、音乐、舞蹈、戏曲、园林、建筑、雕塑、工艺美术、传统美食等，都有几千年的积累，都有伟大的创造，都透着五千年文明古国深厚的文化底蕴。这是中华民族的宝贵财富，也是全人类的宝贵财富。无论是宫廷美术还是民间美术，无论是文人画还是宗教画，经过历代的画家、艺人、工匠的创作实践，积累了大量丰富多样的艺术表现手法和表现形式。无论是逸笔草草的国画笔墨还是板刻结圆的装饰图案；无论是造型夸张的民间剪纸还是色彩强烈的木版年画，这一切无不为现代设计艺术提供着丰富的表现形式和图形语言。中国传统艺术是东方文化的一处独特景观和宝贵财富，它题材广泛、历史悠久、内涵丰富、博大精深、形式多样，是其他艺术形式难以替代的。

二、中国平面设计的发展

在我国，平面设计有着悠久的历史。战国时“矛与盾”的口头广告——“韩非子”中所描述的“悬帜甚高”中的“望子”；两宋时期伴随着印刷雕版而产生的“传单”等．都可以看作是平面设计的雏形，是我国广告历史久远的例证。但是，平面设计真正成为一种专业性活动并发挥其巨大作用却是从资本主义社会才开始的，从这个意义上讲．我国的平面设计艺术可以说是引进的。西方设计发展了百余年，而在中国。真正意义的设计只有不到二十年的时间．全球经济一体化的商业融合，强化了中国设计师的竞争意识，参与国际平面设计竞争和交流已经是家常便饭，中国设计师在国际设计大赛中获奖也是十分频繁的事情了。中西文化的交融，多元化的国际并存已经融人中国设计师的作品中，这是中国平面设计事业成熟的表现。然而，正是这种中西文化的相互交融，中国现代设计中充满了受西方影响的视觉语言，在“国际设计风格”潮流之后，开创多元化的设计潮流，已成为新一代设计师们所面临的课题。这种发挥是在对传统文化表现方式的理解基础上。传统的元素加以改造提炼和运用，使现代设计更富有时代的特色。

三、中国传统艺术对现代平面设计的影响

从我国文化发展的历史经验来看，一个国家、一个民族文化的发展，要想立于不败之地，就要勇于吸收，敢于继承，善于交融。无论是从我国早期华夏文化的形成直至达到两汉文化的高峰，还是盛唐文化受到西域、印度文化的影响而发扬光大。无不表明，只有勇于吸收，才能发展．只有敢于继承、善于交融才能最终真正成为自己文化的主人。

1．我国传统艺术对招贴广告的影响

招贴广告是现代平面设计中比较大众化的一种体裁，用来完成一定的宣传鼓动任务，或是为报导、广告、劝喻、教育等目的服务，它要求一目了然，简洁明确。为了达到这个目的，招贴广告往往采取一系列假定手法，突出重点，删去次要的细节，甚至背景，把各个不同的比例．在不同时间、空间发生的活动组合在一起，并经常运用象征手法，启发人们的联想。因此，它的构思要能超载现实，构图要概括集中，形象要简练夸张，要以强烈鲜明的色彩为手法．突出醒目地表达所要宣传的事物，赋予画面更广泛的含义。在这些方面，中国传统的美学观，能够为设计者提供大量的营养。而西方传统艺术，基于几何学空间观念，从模拟生活现象人手。借以展示作者的创作思想。中国艺术家则是有选择，有重点，以“不似之似”、“脱形写神”为艺术追求的胜境。我们从来不曾用如实的描写、逼真的再现要求过中国传统艺术，没有人指责某些山水画不符合焦点透视的原则，也没有人批评传统戏曲程式化的表演模式，因为我们对自已的传统艺术有一个固定的观念．懂得抽象的形式美在造型艺术中的重要价值。中国传统艺术讲究形神兼备，讲究概括与内涵，齐白石“画虾几十年才得其神”，就有一个不断概括、不断深入的过程，最终敢于舍弃虾的次要部分而突出其主要特征，使母虾的形象更为完美、更为生动。齐白石提出的“作画妙在似与不似之间”．这种说法和石涛的“无法而法．乃为至法”的说法是相通的。再看我们的一些招贴画．就“似与不似”的观点来考察。就形象的简明与富于概括这一点来衡量。很多形象显然不是生活的简单模仿，某些概括的形象显然与素材有很大的差别．由复杂到单纯，由繁杂到简洁，这种特点正符合了招贴广告的要求。观众欣赏画，主要不是欣赏艺术家画的是什么，而是主要欣赏通过什么艺术手法来表现。欣赏的着眼点在于笔墨、章法、气韵、意境，正如同观众欣赏传统京剧，主要是欣赏演员的技艺和“唱、念、做、打”的功夫。中国传统艺术突破了自然主义和形式主义的片面性，创造了不少规范化的程式．这些师法自然，来源于生活但又经过千锤百炼．概括而又多变的“程式”是一种经过高度提炼的美的精华．是积淀了内容要求的形式之美。

香港设计师靳埭强在平面设计界是当之无愧的大师级人物。他曾获得过300多个设计类的奖项。其中很多是国际平面设计界一流的大奖。他主张把中国传统文化的精髓融合到西方现代设计的理念中去。他的许多作品都无一例外地体现着这种思想，在其招贴设计《自在》系列中．运用了中国的水墨画技法．融合了现代技术的特殊机理效果．现代又不失传统。在国际“水”主题招贴艺术展中．“水一生命一文化”招贴图形作品，将极其强烈的民族装饰风格化的图形形象作为整幅作品的大背景，进行了丰富而适当的虚化处理，整个画面以黑白极色加以艺术表现．形成了形与色的对立与协调、冲突与融合的视觉效果．构筑了一幅在中国特定大文化场景下的具有视觉冲击力的现代平面图形设计作品。招贴作品“金、木、水、火、土”招贴图形形象设计，也充分显示了这种文化艺术的精神特征．萦绕着极其强烈的现代主义设计的精神光环。

我们从靳埭强的设计作品中，都能感受到强烈的中华民族文化的气息，这也正是他艺术设计成功之所在。如果说．靳埭强的成功，还有什么捷径的话，那就是把中国传统文化融合到现代设计中去，使设计更具有文化气息，更具有民族特色，以此强化设计的感染力度。

2．我国传统文化对标志设计的影响

平面设计论文范文篇5

[关键词]符号平面设计直接性间接性约束性

“一幅平面设计，由于其本身的设计目的性，决定了设计的作品不仅要具有一定的审美形式，同时还要具有传达信息的准确性。”如以什么样的形式对事物进行表述，以什么样的符号表达准确的思想主体，符号在平面设计中如何应用，则成为设计者认真探讨的问题。

一、符号与平面设计的关系

“符号的起源是劳动。”早在原始社会，人们就有了实用和审美两种需求，并且已经开始从事原始的设计活动，以自觉或不自觉的符号行为丰富着生活。从我们祖先的结绳记事到歌舞图腾，都是维护社会传统秩序的信息符号。符号是负载和传递信息的中介，是认识事物的一种简化手段，是“利用一定的媒体来代表或者指示某一事物的东西”。

符号是平面设计思维的主体。“平面设计，是以信息传达为目的的，在二维的空间中对符号的选择位置、比例、相互关系等的筹划，这一个思维的过程中，符号是思维的主体。”如一个名为“请高抬贵脚”的环保设计，首先是挑选有关环保的符号—树苗、脚底，接着是对符号的经营策划——把树苗与脚底的抽象型进行图底结合，这一系列的设计思维活动，都是围绕符号来进行。

符号在平面设计中具有较强的表现作用。图像符号有通过模拟对象或与对象的相似构成于设计中的作用，受众对它具有直觉的感知，如肖像，就是某人的相似形象，通过形象的相似就可以辨认出来，设计尖高端产品一般直接采用这类图像符号，如汽车、化妆品、服装、仪器设备等。指示符号在平面设计中具有与所指涉的对象之间存在因果或是时空上的关联作用，如标志设计，是商品的指示符号；路标，就是道路的指示符号；而门则是建筑物出口的指示符号；符号在平面设计中起着象征的作用，它与所指涉的对象间无必然或是内在的联系，它是约定俗成的结果，它所指涉的对象以及有关意义的获得，是由长时间多个人的感受所产生的联想集合而来，即社会习俗，比如将鹿看作是快乐、活泼、长寿的象征，红色代表着革命，桃子在中国人的眼中是长寿的象征。

符号在平面设计中三种作用是程度不断深化，信息含量更加广泛的过程。如鸽子的形象，出现在有关的平面设计上时，它只是平面设计的符号，向受众传达的信息是“此设计与鸽子有关”，此时，它是作为第一种作用的形式出现，也是作为它的表面意义出现；由于鸽子是人们在生活中常见到的动物，具有被人们广泛认可的动物特征，因此，它出现在路牌或是处所的标示中时，它是作为鸽子的深层意义出现的，传达的信息为“此处属保护动物领域”；当这个形象与枫叶的造型和在一起，组成新标志，是象征慈善行业，表示一种和平，援助。它与枫叶一起，表示地域，一般人们一看到枫叶就很容易想到加拿大的形象，枫叶已成为加拿大的象征。在这里的鸽子形象，正是以符号的潜在象征意义展示在人们面前。它含义表达准确有效无可挑剔，而这正是符号由单纯的图像符号作用经由其内在因果关系具有指示作用，再由长时间多个人对其的感受联想赋予它更广泛的含义，飞跃为象征作用过程的必然结果，也是符号意义不断升级的过程。由此可见，符号为了使平面设计中思想感情的信息更准确有效的传达，需要一个符号不断深化的过程。但是，一味地、漫无目标的深化符号在设计中的指涉是不负责任的，是与初衷背道而驰的。设计者只有了解了符号与平面设计的关系，才能合理与准确把符号运用到平面设计上。

二、符号在平面设计中的运用

符号在平面设计中是一种被运用的过程。平面设计是以符号的方式，符号的原理为依据的。由此可见，采用合理的符号运用方式来准确传达有效信息，成为了一个平面设计作品成败的关键。符号在设计中的运用主要有直接与间接两种方式。

对符号的直接运用。在平面设计作品中以符号的形式直接出现，如标志类设计，是符号直接运用于设计中的范例。由于这类设计以图形为基础，以达意为生命，强调小而精，本身所含的语言几乎被浓缩成了符号，具有极强的认知性。如几大银行的标志都运用了中国古钱币作为基本型传达金融机构这一信息；再看中国联通的司标，司标是由一种回环贯通的中国传统吉祥图案“盘长”（即中国结）演变而来的，迂回往复的线条象征着现代通信网络，寓意着信息社会中联通公司的通信事业井然有序，而又信达畅通，同时也象征着联通公司的事业无以穷尽，日久天长；又如设计师有意制造枫叶的缺角，表示失业者，再把枫叶的缺角刻意演变成一个鸽子形，表示慈善机构，正向你伸出援助之手，精妙至极地表现了“加拿大——慈善事务——恢复”的信息意念。关于这类设计作品，常常是把几个元素巧妙地结合起来，然后将其简化，得到类似符号的图形，也就是图形符号化，形成独特的视觉语言。

对符号的间接运用。把符号作为设计的基本元素，此类的符号可以理解为既定含义的图形或实物。如在设计中用字组成符号，日语汉字符号的方块字在视觉上是呈“点”的排列组合，因此日本很多设计作品把日语汉字符号作为设计的基本元素—“点”来运用，如《风姿花传》封面是摘取满版文字作底纹，印色为黑地黄字，而一般人在运用正文作底纹时都是直接运用原文的排版格式，而该书的设计者采以违反常规的字空行距等距离排列法，由于字缩得很小，在视觉上形成了“点”状，构成了空灵的网状；还有标点符号组成的笑脸符号，这种在现代网络非常流行，使人观后心领神会。

符号在平面设计上的运用具有约束性。符号在平面设计中的运用应注意各地的忌讳，尤其是运用象征符号时，有的国家商标法根据本国的风俗作了一些特殊规定，或者习惯上忌用。这就要求设计者运用符号时不要违背当地的风俗习惯和各国的宗教信仰，特别是各地的忌讳。因为“任何符号都只有在一定的范围内被理解，只有具备有关文化背景的人才能接受到该符号所传达的信息，只有符合特定背景的符号才能在这一范围内被接受。”如我国的白象牌电池在东南亚各地十分畅销，因为“白象”是东南亚地区的吉祥物，但在欧美市场上却无人问津，因为“白象”英文“whiteelephant”意思为累赘无用的东西；在中国一般将鹿看作是快乐、活泼、长寿的象征，但在巴西等地却是“同性恋”的俗称；孔雀在东方人心目中是美丽的，但在法国人的眼里却是“淫妇”的别称；由于各国存在这些特殊的禁忌，这就要求设计者对符号在平面设计中的应用不能随心所欲，应避其所忌。

符号是直接还是间接运用在平面设计上，这要求设计者对符号要相当的熟练，把握符号在平面设计中的作用与意义，把设计过程做到是一个去伪存真，不断提炼、不断深化创意的过程，通过多种设计因素的筛选，创造出最好的平面设计作品。比如：设计要体现一个城市的主体风貌，那就要对这个城市的方方面面进行研究，对这个城市的历史传统和现实状态，未来发展和精神指向等繁杂的属性进行分析，通过去伪存真的抽象、提取过程，将一些与设计不相干的因素逐渐的剔除，使设计意念越来越清晰突出，从而找到或创造一个恰当的符号来准确指代，从杂乱的符号海洋中提炼出设计本意。

三、符号在平面设计中的发展

挖掘符号在平面设计中的能动性。符号它负载平面设计含义，是设计的思维主体，符号的能动性在于人具有能动

性。一方面从符号在设计中对事物的指代、传达思想、完成与外部环境信息交换过程的需要上挖掘，如在设计中要暗示出强大、威武的意念，那可以运用人们对狮子的共同感受来运用狮子完成在设计中指待；可以通过“男人”这个文字符号来传达同一意识；还有“劲霸”男装的商品名也体现了这个意念；另一方面符号在平面设计中传递信息时，需考虑人群的划分以及他们不同的价值观、文化修养、年龄职业。在公共设施的标识需要考虑各种人群的接受因素，如普遍公共厕所采用的标识，不管男女老少都能够识别，具有很强的识别性；如汽车广告、女性杂志、男式香水等需要考虑各自面向的受众群体来采用相应的符号。

使符号在平面设计中对象社会化。“符号是把人与文化连接起来的中介物，平面设计是一门综合性的交叉科学，它是沟通和联系人-产品-环境-社会-自然的中介。”绿色、环保已经成为当今设计的共同主题。绿色设计是以节约资源和保护环境为宗旨的设计意念和方法。那设计者应通过“绿色设计”这一时代主题，根据符号的层次，去选择相关符号代表它，如绿叶、树苗、水、森林、小鸟等正面相关符号；书桩、龟裂的田地、沙漠、干涸的河流等反面相关符号；根据符号作为对象的指称物创造它的符号，如“绿”、“水”、“干”、“涸”、“枯”等字来指代它；挖掘它的深层含义，如“人文环境”、“生态环境”、“植树节”、“城市沙漠化”、“绿洲”等。作为这个时代的还有诸多方面，如流行风格、民族特征、传统特色等文化因素也成为未来设计的一大潮流。

符号在平面设计中的运用来源于人的劳动。符号在平面设计中具有十分重要的地位。正确理解符号与平面设计的关系，这是使符号合理运用于平面设计的关键。符号在平面设计中的发展离不开人的能动性，挖掘符号的能动性，使符号在平面设计中对象社会化，全面实现符号是连接平面设计与文化的中介物，真正把平面设计溶入社会主题。

参考文献：

[1]辛敬林.装饰设计新语言.重庆出版社，2001．45-47．

[2]黄敏.设计中的符号学.，2001．

[3]李幼燕.理论符号学导论.社会科学文献出版社，2002．

平面设计论文范文篇6

出于职业的因素，对绘画与平面设计的异同性，一种人认为，只要有绘画的造型功夫，设计便不成问题；而另一种人则认为，设计就是设计，有绘画的造型功底不见得就懂设计。持前一种观点的人多为美术院校的师生，而持后一种观点的人则一般为职业设计师。本文就此话题谈几点看法，欲起到抛砖引玉的作用。

1．现代绘画是个性的表露

绘画的意义在于创新，而创新只有通过“个性化”才能够得以实现，重复的绘画没有生命力。回顾绘画发展史就会发现，无论中国还是西方，每一位杰出的大师都曾经创造过极端个性化的作品。每一位巨匠都具有自己的典型特征。画家，尤其是现代派画家，他们在创作时可以完全不用考虑其作品的社会性。在某种意义上说，作品的生命力，正表现在个性化上。通过作者对美的形式法则的特殊理解而存在着。任何一个伟大的画家，都会有自己独特的审美个性。画家必须把自己个人的主观意志潜能释放出来，最大限度地表现自我。这方面，梵高无疑最具典型的代表意义。梵高于他生前极其艰苦的条件下所创造出的大量个性化作品从未卖掉过，就是因为其作品的极端“个性化”，以致不能被人们所接受。

现代绘画个性化的表现还体现在五花八门的创新手法上。当今的世界正走向一个信息高度发达的社会，如何反映这一时代特征，是每一个前卫艺术家思考的问题。在西方艺术表现形式日趋复杂多样的今天，架上绘画似乎处于一种低迷的状态。前卫艺术家们为了表现具有个性的独创性，往往将一些不同种类的艺术式样相结合，以完成自己的艺术创作。这些光怪陆离的所谓“个性”的艺术品在现代艺术展中司空见惯，艺术家们完全不必考虑观众能否接受，而只表现自己的创新。

2．依附性是现代设计在商品经济中的本质反映

设计与绘画最大的区别在于其对商品的依附性上。设计作为商品在为市场服务时必须具备“包装”价值与“使用”价值。要想赢得客户的信任与满意，最终实现设计的价值，就必须通过市场竞争的考验，设计得成功与否在于它能否通过美化产品而最终实现促销的日的。

现实中几乎每一位设计师在为客户提供设计服务时，都会尽量去迎合和满足客户的需要。一方面设计师必须站在客户的角度去揣摩他们的心理，以使自己的设计方案得以通过。另一方面，客户可能对市场的把握了解远胜过设计师，设计师不得不服从客户对他提出的要求。在设计的过程中，设计师绞尽脑汁去思考去解释自己的作品，也许自己认为很满意了，但最终的评判还是客户对其设计能否通过。

在这里有一种情形可以肯定，那就是被客户选中的未必就是“好作品”，而未通过的设计不一定就是“坏作品”。我们常常可以碰到这样的情况，设计师为某一设计出了一组方案，对其中的某个方案很满意，而客户往往选中的却是设计师自认为“陪衬”的方案，最终的裁决权当然是客户。设计师只有屈从于他们的“上帝”，这就是市场。

设计对商品的依附性还体现在“市场”是设计的指挥棒。市场的强劲与疲软将直接影响设计行业的起伏。如1991年海湾战争爆发之初，欧洲主要工业化国家的生产过剩，消费匮乏，市场处于严重的经济萧条状态，生产停滞不前。荷兰的顿巴设计公司上门为一些厂家服务时得到的回答是：“经济不景气我们暂时不需要设计，现有的设计就足够了”。还有另一种情况是，当市场上某种产品在卖方市场状态，产品供不应求，厂家对“设计”也会不屑一顾。

3．对混浊美的追来是绘画艺术的本质体现

绘画与设计的区别不仅仅体现任“个性化”与“依附性”方面，还体现在对形式美规律追求的差异性上。

“混沌”一词是“指宇宙形成以前模糊一团的景象”。中国人喜欢含蓄，认为“含蓄”就是美。“混沌”本身就体现着一种不确定的耐人寻味的特征，这和中国的古哲学与宗教有关。中国古典绘画所表现的“空灵”、“气韵”，以及“墨分五色”，用有限的笔墨表现无限的意境等美学思想，都在于这种“混沌”之美。

这些手法在设计中也偶尔能见到，但一般来说仅是借用绘画的表现手法，以增强设计的艺术性而已。它们不是设计的最终目的。我们从杉浦康平等大师的作品中就可以体会出这一点。具体来说：杉浦康平为敦煌设计的系列从书，从表面上他是在追求中国画“空灵”、“气韵”之境界，而更深刻的是他把敦煌中的图形元素，运用现代设计的基本构造原理加以组合。这种“空灵”混沌美的境界只是作为设计的一种手段而不是目的。希望最终能真正反映出这套系列丛书的内涵。这充分表示出大师的独具匠心和对绘画与设计关系的把握上。

在西洋绘画方面，虽然流派众多，形式各异，但整体精神同样是在追求“混沌美”。古典油画尽管形态表现得细致、逼真，但其意境追求的则是深奥悠远，发现出不确定的“混沌美”。而现代派追求的则是标新立异，追求的是超现实荒诞的不确定性。米罗追求的是童趣的海底世界般的梦幻，体现着不确定的“混沌美”，柏洛克则拎着颜料桶在画布上滴洒而不拘一格，他似乎是更接近在追求着“宇宙形成以前模糊一团的景象”。

绘画对“混沌美”的追求还体现在对材料肌理的选择上。何种题材何种效果，需要何种肌理是绘画追求混沌美的表现之一。绘画，尤其是现代绘画，在一幅作品中选择综合材料已到了随心所欲的境地，多种材料的运用旨在加强画面的“混沌美”的效果，通过扑朔迷离不确定的材质肌理的运用，以达到变化多端的目的。

4．秩序美是平面设计的核心体现

设计不同于绘画还体现在对秩序美的追求上，现代设计对实体的进一步把握是形式法则。形式是实体的具体化、丰富化、精确化。可以看出德漠克得特以原子结构来解释宇宙实体的内在形式，毕达哥拉斯派则以数理描述宇宙实体的外在形式，他们从天空星辰的布局中悟出了点、线、面的几何关系，从而把数推为宇宙的本体（“宇宙”这个词在古希腊就包含着和谐、数量、秩序等意义）。

在设计方面，数对设计的影响，远的不说，仅从近代有关设计的理论，对平面设计的贡献就可以看出它的重要性。如瑞士设计家约翰·契肖德所发明的数字逻辑形体设计在书籍设计中的运用。再如设计家罗尔·罗塞利奥对哥特式圣经内页边缘数值比例的发现，即著名的九段划分法，他求出了开本宽度尺寸的一个1／9作为内边，两个1／9作为外边，开本宽度尺寸的一个1／9作为天头，两个1／9作为地脚的规律。而在1946年，方·德·格拉夫根据罗尔罗塞利奥的九段划分法，求边缘的比例图，发现了用几何计算的简单方法取代九段划分法，这种方法被称为“蛇瓜式划分法”。

在现代设计史上对20世纪影响最大的代表人物是勒·科布歇。他运用建筑学的基本理论根据人体比例进行黄金分割，被称为模数设计体系。模数最初对于建筑形式有着重要的贡献，后来被运用到平面设计中。模数理论的基本原理就是对太阳神的肚脐、头顶和伸直手臂的指尖进行分割。之后勒·科布歇将之变为44个长方形进行空间分割。模数体系的核心，就是试图利用人们对级数变化心理反应所产生的秩序美进行设计。在勒·科布歇发明模数之后，欧洲各国设计师纷纷运用这一设计原理并将之进一步推进，最终形成了网格设计的理论体系。网格设计体系把几例分析法和数在平面设计中的运用提升到了空前的高度，其特征是重视比例感、秩序感、连续感、清晰感。总之，它是以理性的数理为基础的形式法则在平面设计中的运用。

从上述的例证来看，设计的美感体现在有秩序的数理的韵律上，这点与绘画有着本质的不同。

5．平面设计的独立性体现在版式编排和字体形态上

绘画是以图的形态传达着信息，一幅好的绘画作品可以浓缩巨大的信息内容，是文字高度浓缩的载体，在某些场合它可以代替或补充文字的不足。虽然如此，由于绘画与文字传播的功能存在着较大的差异，绘画作为单独的艺术形式其画面不存在文字的说明。既然绘画艺术可以无文字表述出现，故此它也就不存在版式编排问题。

而设计无论是作为独立的艺术形式，还是特地为某种产品服务，都必须有文字的说明。只有通过文字形态的存在，其自身价值才能够得以充分体现。现代平面设计作为版面设计（typography）有两种意义上的版式编排：一种是图形与文字的结合，另一种是纯粹文字间的自由组合。这两种形式均可称为版式设计。但无论哪一种形式的版式设计都离不开文字的存在。一方面版式编排需文字组成，另一方面文字本身形态的差异也丰富了版式编排的多样性。

从世界范围来看，各国各民族文字其形态演化的过程都来源于“画图记事”，与图相联系。如果把这种“图形”称之为“绘画”的话，那么文字和绘画在他们幼年时代本是同根同源。但从现代设计的角度或世界文明史的进程来看这一问题，就会发现文字的形态特征显然已完全抽象地“独立”于“绘画”了。此外，在近一个世纪的现代设计发展历程中，前辈设计师们在实践中总结出了一系列版式编排的形式法则，构成了现代设计的基础理论，如：比例、力场、中心、方向、对称、均衡、韵律、对比、分割等，以及黄金分割在设计中的运用，德国标准比例、动力对称学说、草席形、立体派格调、螺旋形、模数等等都集中体现了平面设计的独特语言。而影响版式编排艺术性的“字体形态”已逐渐发展成为新的设计学科。从本世纪初至今，西方许多发达国家相继成立了字体设计公司并在高等学校开办了字体设计学科。亚洲的日本、韩国等也没有相应的机构。由此可见，设计有别于绘画是独立于绘画而具有时代特征的专门学科。

6．绘画与设计的差异性体现在各自的实现方式上

由于绘画与设计存在着巨大的功能上的差异性，同时，在工艺制作的实现方式上也就存在着本质的区别。

绘画虽然是一门艺术，但在制作过程中技术的成份占有相当大的比重。如果说绘画在艺术的前提下，是一个运用新观念新手段的创造过程，那么绘画在其技术中所包含的材料、技巧等一系列因素则是完成和实现这种创造性思维的最重要的手段。

前文中曾提到的绘画是个体劳动并突出表现“个性”的单一行为。因此，这就决定了某一绘画作品，绝对不能重复出现，并且呈现给观众的必须是“手工”制作的真实的肌理材料。如油画，是用以油为结合剂的油性颜料画在布面或其它材料上。国画则以笔、墨、宣纸、帛以及水溶性颜料为主要肌理特征。

而作为设计，其产生和发展都由“商业”行为而来，是随着商品经济的激烈竞争而出现的。它的目的是为整个市场服务，具有显著的商品特征。在其“实现”方式上必然是在脑力劳动与机器大生产相结合的物化过程。在过去近一个多世纪的发展历程中，设计从来都是以机器印刷的方式来证明自己的价值。它从未脱离过大机器生产而独立存在。即使是在国际各种设计比赛中，设计作品的机器生产工艺水平也是评判的重要着眼点。现今时代变了，科技又有了长足的进步，电脑的产生无疑给设计业带来革命性的变化。设计作品的“生产”方式更加体现了机器的智能化、工业化和系列化，越来越显示出“机器”的重要性。因此作为一个设计师不仅应懂得设计还要懂得机器的印刷功能，印刷装订工艺，甚至还要懂得在何种状态下，机器墨色套排序列会对作品产生什么样的效果，纸张的品牌、种类、性能将会影响设计作品的怎样质量。

综上所述，绘画与现代平面设计有着巨大的差异。二者之间的关系属于两个不同性质行业之间的关系——是实用性与观赏性的关系；是多层次、多社会性的理性思考与情感宣泄，表现个性才气的关系；是体现工业化的生产技术水平与个体艺术者之手工技巧的关系……

平面设计论文范文篇7

高职的教学模式不同于全日制本科的教学模式，高职是三年制的办学模式，并且高职院校更加重视学生的实际操作能力的培养和产品设计创新能力的培养，因此，根据这一现状我们要合理安排好高职三年的教学时间安排，大力推行“三段式”的办学模式。“三段式”的教学模式就是将高职这三年的教学进行合理的规划设计，第一年以基础教学为主；第二年以技能学习为主；第三年则采用顶岗实习、毕业实习的教学形式为主。这样虽然缩短了学生的在校周期却极大的锻炼了学生的实践操作能力，让学生更早一些接触社会，增加了平面设计的实践经验，有效的将理论与实践紧密的结合，为培养出优质的平面设计人才打下坚实的基础。因此，高职在进行平面设计教学的时候，要重视平面设计课堂教学改革，创新教学方法，平面设计教学过程中教师要向着“精、简、效”的方向发展。

二、增加平面设计课堂教学内容

现阶段在大多数的高职中教师授课时并不重视与学生互动，甚至将“教”与“学”进行了分离，就是上课的时候教师只是一味的讲课，学生听不听教师并不关心，讲完课后就离开学生会与不会也与教师无关。这样就极大的阻碍了学生的学习效率的提高。因此，我们要增加平面设计课堂教学内容，让学生与教师有效的互动，提高学生的学习兴趣。教师在上课的时候要适当的根据教学内容提出问题，有效的让学生与教师进行互动，从而实现教学目标。例如：在讲授平面设计基础中的photoshop illustrator时，教师在讲课的时候以平面设计的典型应用为主线，在授课的时候利用ppt进行教学，通过多个精彩实用的案例，全面系统地讲解了如何利用photoshop和illustrator来完成专业的平面设计项目，教师巧妙的运用了教学案例和ppt课件来引起学生的学习兴趣，提高平面设计课堂教学内容的丰满度，不仅可以提高平面设计课堂教学效率，还可以有效的促进学生与教师之间的互动，学生在看到有趣的平面设计图片的时候还进行提问：老师这个平面图片的设计方法是运用photoshop和illustrator中的什么功能键？这样图片是如何ps的这样细致的完全看不出破绽？这样动态3d的平面设计图片是如何完成的？由此可见，丰富的平面设计教学课堂能够有效的调动学生的学习兴趣，有效的提高师生之间的互动，让平面设课堂氛围变的轻松愉快，并且解决了平面设计教学中遇到的问题，教师也完成了教学任务，有提高了平面设课堂效率。学生在平面设课堂上体会到了平面学习的乐趣，有轻松地掌握了新的知识。

三、增加平面设计教学针对性

平面设计专业是一门比较特殊的专业，具有一定的抽象性，有一些教学内容并不是只有靠教师讲和学生听就能理解明白的，但是在高职平面设计教学中“满堂灌”的教学方式依然被普遍的应用，教师在台上讲的满头大汗、津津有味，学生却在放任自流，学生各行其事，课堂教学效率很难提高。所以要求教师在讲课前必须做好备课，授课的时候要有针对性，根据不同的教学内容分清轻、重，分清简、易，精讲重点知识，设疑破难，而对于简单的教学内容就学习重点，这样可以有效的节省教学时间。并且教师在授课的时候不能眉毛胡子一把抓，要根据每个学生的创新能力和设计天赋分配设计题。这样既可以提高学生的学习动力从而提高学生平面设课堂学习效率。例如：我们在讲授《视觉流程与平面结构设计》这节课的时候，教师改变了传统的只讲理论知识的教学方式，在讲这节课的时候教师准备了一些相关的视频让学生观看，在观看之后让学生将视频中相关的平面设计教学内容提炼出来，讲讲它的视觉流程和设计原则以及视觉流程的表现方法，这样可以有效的锻炼学生的观察能力，并且让学生加深对教学内容的理解和记忆，提高学生的学习效率。

平面设计论文范文篇8

首先每每在我聘请助手的时候，没有电脑障碍是我的第一个要求，这一定算是基本功。我见过许多自认为是精通电脑的设计师，但一出手我就认定他们的技术来自口耳相传，随时给自己的工作埋设炸弹，这些设计师的自信无疑会将他们不懂电脑的老板送向破财之路。当然，我每天都要求我的设计助手们不依赖电脑，这并不自相矛盾。不依赖绝不是说可以不懂，毕竟在我们工作中，从设计到印刷的每一道工序都需要电脑的帮助。今天看这一问题就象画家不会用笔的道理是一样的。

其次，对印刷知识的匮乏阻碍了许多平面设计师的发展。因为不了解，许多设计师认为自己的设计就是电脑屏幕上的样子，这很危险，因为技术的原因，它与实际的输出效果还有较大的差距。不熟悉印刷的特性与缺陷，许多设计师在做设计的时候不断地给印刷找麻烦，设置障碍，这很愚蠢。平面设计师需要了解的印刷知识有许多，比如说各种品牌印刷机的性能、同一机型不同规格的性能、不同品牌油墨的性能、四色油墨与专色油墨的特性、不同品牌、规格、品种纸张的性能、特殊工艺、后期加工及装订等等，这些都是设计师在做设计时需要为客户考虑的问题。

那么，懂了电脑，懂了印刷流程，就可以称作平面设计师了么？可能还不行，毕竟以上说的与“设计”还没有直接的关联。就平面设计而言，还有许多特色性的规律，对于这些我的兴趣更大。

a、平面不平

二十多年来，我自己有过很多幸运的事。比如在我吃这碗饭之初，偶然在旧书摊上买过一堆“time”杂志，这是永远令我感到兴奋的回忆。因为那时我正被眼花缭乱的设计弄得五迷三倒，无师可从，这堆旧杂志让我开了眼，见识了正点。

认真阅读time杂志，一切有关平面设计的技巧都囊括其中，而且毫不张扬，温文而雅，为抄袭者提供了大量改头换面的空间。我对平面设计的理解很多来自这堆旧杂志。

“平面不平”是我对平面设计中画面效果的一种理解，很多人把它叫做版式、构图、结构、形式感…都可以，我喜欢把话说得简单。拜读了很多好的设计后，我感到设计师们都在有意无意地追求着“不平”的效果。即利用各种平面元素，在平面材质上（比如纸张等），努力拉伸视觉空间。这一理论，画家塞尚早我们一百年就开始尝试了，并已作到了极致。令我很感叹的是一百年前最不商业的令人类恐慌的艺术变革，一百年后却变成了最最商业的平面艺术，多有意思。

这一空间概念涵概了自然空间感受与矛盾空间感受。随设计师的爱好、版面要求、视觉冲击需求、自由选择。现在已经没有很多人大惊小怪了，但无论展现自然空间感受，还是矛盾空间感受，设计师所使用的技巧（或称元素）是有规律的。把它们归纳在一起也有一大堆。比如：打洞；夸张暗影效果；使用极具真实性与质感的图象；实物元素与绘画元素的对比使用；利用色彩之间的反差效果；利用线与色条的叠压效果；利用文字与图形、文字与文字的叠压效果；文字之间大小比例关系的对比等等。因为篇幅所限，不作细解，今后可将范例作品与理论文字对照比较，一目了然。

b、色彩中的音乐

色彩是平面作品中的灵魂。想运用好它一定要了解一些纸张与油墨的知识。不同纸张与不同油墨的组合，会产生出绝对不同的效果。但我们与画家的区别是：平面设计师手中的颜料只有四管儿，但它可以依靠网点的疏密特性，调和出所有我们可感知的颜色。这真是一项神奇的发明，作为印刷技术的原创民族我们感谢德国人。

利用网点与纸（白色）的配合，我们才能让油墨显得更均匀、鲜艳和干净。但这只是技术上的事，设计师在设计工作中对色彩的运用还要更多的依靠灵性。

我常希望身边的设计师朋友们能学习一些音乐，这并不是故弄玄虚，用音乐的理论解析色彩真是简单直白，这是我的发现。

a.首先懂得音乐的人都知道在乐器上找不到一个固定的音，音符“叨”随调式改变着位置，不同的调式传达出不同的感情，适合着不同的乐器与人声。这与我们运用色彩的道理是一样的，整幅画面的基调与情绪是通过画面色彩的冷暖传达出的。但从小我们头脑中的色彩冷暖关系就是固定的。红色偏暖，蓝色偏冷。其实这是一个错误的概念。如同音符一样，颜色随周围环境的变化转换着调性（冷暖关系）。懂得这一道理，蓝色也可以被我们渲染成暖洋洋的样子。

因为屏幕的关系，平面设计师已经不习惯给颜色以文学式的命名，比如洋红、群青、湖蓝，取而代之的是更简单，更直接的4个数字。这很好，符合商业时代或叫数码时代的要求，是个机械式的要求。对色彩调性化理解是对平面设计师灵性的训练。

b.其次和弦与旋律概念在平面设计中的应用

玩乐器的朋友都懂得另一个道理，无所谓哪一个音好听与难听，音符一定要放到一起去，才能叫音乐，否则“叨”“叨”“叨”一直按下去一定是噪音，“叨”“咪”“嗖”放在一起就变成了和弦“c”。这好比颜色中红蓝白的搭配一样，永远和谐。和弦可以继续往里添加新的音符，比如加个“来”这个和弦马上变了情绪，变成了一个7和弦。如果把“咪”换成降“咪”就更是大相径庭地跑到蓝调里去了，就好像在红蓝白的组合中，配上紫色或桔色给人的视觉感受是截然不同的。和弦一直可以添加音符进去，成为9和弦，13和弦……在色彩上就好比我们常说的高级灰。

明白这个道理后，我们就会更直接地理解颜色是应该分组使用的。这些组合的基础应该向和弦c、d、e、f…一样，有一个最原始的搭配，设计师想不断变化，就在这些组合里求变吧。你一定要把没关系的颜色放在一起，就象”发“和”希’谁也不挨着谁，两者之间没关系，你的画面一定平淡；如果你一定要把敌对的颜色放在一起，准会难看。运用和弦的道理去理解色彩，你会立刻跳出色彩贫乏的误区，发现眼前可用的颜色太多也太美了。合理搭配的色彩组合把画面的视觉空间不断拉伸，让画面不仅绚丽而且厚实，这就是色彩和弦的作用。但仅仅有了和弦就能成为音乐吗？不对，音乐还需要旋律，没有旋律的音乐不好听。那么，平面作品的旋律是什么呢，它是我们眼睛观看一幅作品的过程。一幅招贴也罢，一本宣传册也罢，都存在着一个先看到什么，再看到什么，最需要人们看到什么，记住什么，回味什么的问题。这些就构成了平面作品的旋律，让观众的眼睛什么时候紧张，什么时候休息，最后停留在哪个地方，这是设计师最需要动脑子考虑的问题。

c.节奏

根据我的建议，长时间以来，我的设计助手们一直在总结、记录各种各样的色彩组合。从名家的作品中，从各民族的图案里，从自然景物中，然后在实际的工作中我们使用这些颜色。比如我们为“好伦哥”比萨饼店做的小折页里所使用那一组颜色，就是从蔬菜和水果里找到的。因为我们需要一套让人看了就饿的颜色。但问题很快就来了，许多我们在名家的好设计里总结出的颜色组合，再经过我们使用后就变了样，没了神儿，这是为什么呢？真让我们苦恼了一阵子。

平面设计论文范文篇9

关键词：黑色白色平面设计对比协调简约

黑色、白色在色彩中属于无彩色，相对于有色彩具有极大的单纯性。黑色与白色代表着色彩的两极，是色彩最后的概括与抽象。黑白对于其他的色彩具有包容性和神秘感。黑色给人以黑暗、恐怖、深沉、灭亡的心理感觉。画家瓦里西·康定斯基这样描述黑色：“黑色在心灵深处叩响，像没有任何可能的虚无，像太阳熄灭后死寂的空虚，像没有未来、没有希望的永久的沉默。”黑色代表着哀悼，是为尘世间死亡而悲哀的颜色，黑色是对彩色的否定，黑色和红色代表着仇恨，黑色与黄色代表着欺骗、自私。黑色是个性化的色彩，黑色富于尊严感。白色则给人以纯洁、虚无、光明、高雅的心理感觉，正如阿恩海姆说：“白色它是一种最圆满的状态，是丰富多彩、形态各异的各种色彩加在一起之后得到的统一体；但另一方面，它本身又缺乏色彩，从而也是缺乏生活多样性的表现。也就是说，它既具有一种尚未进入生活的天真无邪儿童所具有的纯洁性，又具有生命已经结束的死亡者的虚无性。”黑色在所有色彩之中是明度最低，白色在所有色彩中是明度最高。

在现代人眼中，黑白两色总让人感觉到没有彩色那样的饱满、诱人、富有生机。现代社会的工业化、信息化，以及快节奏的生活步伐，让我们更喜欢那些有纯度、饱满的有彩色系。然而，在平面设计用色中，我们其实又离不开黑色、白色。黑、白色以自己的优越性和独特性在色彩设计中起着协调和统一画面色彩的作用。一件设计作品没有了黑色，所有的色彩都显得轻浮、不实在；没有白色，所有的色彩又都显得阴暗，见不着光明。黑色就像大地一样深沉、雄浑、扎实，如古人说的“厚德而载物”；白色就像天空，是那样的高远和豁然开朗。有彩色之所以鲜艳，富有光泽，就是因为背景的白色和黑色衬托出来的，就像红花总有绿叶来相配。黑、白色在所有色彩中起着协调、平衡其他色彩的作用，其他色彩的美，是通过黑、白色衬托出来的。西方现代抽象派绘画大师康定斯基总是喜欢用黑色的线条来分割抽象的形状，鲜艳的红色、绿色，还是黄色，经过黑色的分割，有彩色就像被驯服的野马，听候主人的使唤。黑白色还可以增加作品的空间感、层次感。黑色明度最低，白色明度最高，有彩色处于明度中间，明度从低到高逐渐变化，作品有了空间感、秩序和节奏。这些色彩秩序就像音乐中的音符从低到高或从高到低的排列，作品产生了节奏和韵律。冷抽象绘画大师蒙德里安的作品中用黑白、原色来组成画面色彩，理性地分析黑白、原色之间的平衡、对比与协调关系。

著名书籍装帧设计师吕敬人的设计作品，突出了书籍内容的精神特质，其作品的形式与内容、功能性与艺术性统一起来，利用色彩充分传达出书籍的情感内容。黑白色与有彩色互相配合，作品色彩丰富协调。在作品色彩配置中巧妙地使用黑白色，利用黑白色来形成画面色彩的对比与和谐。吕敬人认为：“一本理想的书应体现和谐对比。和谐，为读者创造精神需求的空间，对比则是创造视觉、触觉、听觉、嗅觉、味觉五感之阅读愉悦的舞台。”设计师认为好的设计作品，具有“理想的书籍形态、严谨的文字编排、准确的图像选择、有时间感受的余白、有规矩的构成格式、有动感的视觉旋律、到位的色彩配置、个性化的纸材运用、毫厘不差的印刷工艺”等特点。设计师强调书籍设计中整体和谐的重要性，包括色彩设计中黑白色与有彩色的协调和色彩设计的相互关系。

香港著名的设计师王奥飞，其设计的作品中可以看出色彩设计给人清新、简洁的感觉。设计师巧妙使用黑白色与有彩色形成鲜明的对比，色彩设计清新、明快，富有感染力。红、黄、白、黑等色通过面积、明度、纯度的变化与统一，达到较好的色彩效果。黑色的字起到稳定、平衡画面色彩的作用。有些色彩设计看似随意、简单、无序，其实是经过设计师一番苦心经营的结果。如黑、白、普蓝、黄、橙、红、桃红色互相搭配，产生一种强烈的节奏、运动、秩序感。纯白的底色更显出画面的简洁、明快、透气感。

中国传统的水墨画，也用黑白关系来体现东方式的冰清玉洁和宇宙的幽深奥妙。古人在进行书画创造的时候遵循“知白守黑”的原则，提炼出图与底、彩色和黑白色之间的一种相互制约的关系。中国书法用黑色的墨，白色的宣纸来营造中国人的黑白世界，黑白色更恰当地体现出中国哲学，即“天人合一”的宇宙意识。中国工笔花鸟画在上彩之前先染一层淡淡的黑色，用淡黑色来统一画面色彩，画面色彩典雅、稳重，恰当的留白以创造虚空间，有灵动、透气之感。近代国画大师齐白石用大面积的黑、白、红、黄、蓝等色组织画面色彩，红、黄、蓝等高纯度的色彩艳而不俗，画面色彩感觉明快、色彩使用概括、视觉冲击力极强。这些效果都得力于大面积的黑色与白色。现代画家吴冠中更是深谙黑白之道了，黑白色块、彩色块之间的形状、大小、空间经过他的巧妙安排，就使作品形成较强的秩序、节奏和空间感，真正做到了“知其白，守其黑”。

经过了复杂、喧闹的都市生活，现代人更渴望追求一种平淡、安静的生活方式。平面设计中的色彩设计也从过去的多色彩组合向简约组合，从强对比向中对比转变。现代平面设计的色彩设计更加追求一种简约、简洁之美。色彩设计不是以多胜，而是用简约的色彩体现出设计的品位与韵味。后工业时代黑色和白色成为设计师喜爱的色彩，没有功能的色彩均被剔除。白色不是时髦的色彩，而是具有现代感的色彩。黑白色具有优雅感，迪奥说：“优雅是与高贵、自然、细致与简单构成的混合体。优雅要求放弃豪华，放弃招摇。”“功能决定形式”是古典及现代设计的主题，它意味着放弃不必要的修饰和多余的模式、多余的色彩，一切都使用“中性”的色彩。通过放弃色彩以适应客观性和功能性的要求，这是现代设计的品质。

参考文献：

[1]《广州设计师作品集》，广州设计论坛，李向荣主编，岭南美术出版社

平面设计论文范文篇10

关键词：黑色白色平面设计对比协调简约

黑色、白色在色彩中属于无彩色，相对于有色彩具有极大的单纯性。黑色与白色代表着色彩的两极，是色彩最后的概括与抽象。黑白对于其他的色彩具有包容性和神秘感。黑色给人以黑暗、恐怖、深沉、灭亡的心理感觉。画家瓦里西·康定斯基这样描述黑色：“黑色在心灵深处叩响，像没有任何可能的虚无，像太阳熄灭后死寂的空虚，像没有未来、没有希望的永久的沉默。”黑色代表着哀悼，是为尘世间死亡而悲哀的颜色，黑色是对彩色的否定，黑色和红色代表着仇恨，黑色与黄色代表着欺骗、自私。黑色是个性化的色彩，黑色富于尊严感。白色则给人以纯洁、虚无、光明、高雅的心理感觉，正如阿恩海姆说：“白色它是一种最圆满的状态，是丰富多彩、形态各异的各种色彩加在一起之后得到的统一体；但另一方面，它本身又缺乏色彩，从而也是缺乏生活多样性的表现。也就是说，它既具有一种尚未进入生活的天真无邪儿童所具有的纯洁性，又具有生命已经结束的死亡者的虚无性。”黑色在所有色彩之中是明度最低，白色在所有色彩中是明度最高。

在现代人眼中，黑白两色总让人感觉到没有彩色那样的饱满、诱人、富有生机。现代社会的工业化、信息化，以及快节奏的生活步伐，让我们更喜欢那些有纯度、饱满的有彩色系。然而，在平面设计用色中，我们其实又离不开黑色、白色。黑、白色以自己的优越性和独特性在色彩设计中起着协调和统一画面色彩的作用。一件设计作品没有了黑色，所有的色彩都显得轻浮、不实在；没有白色，所有的色彩又都显得阴暗，见不着光明。黑色就像大地一样深沉、雄浑、扎实，如古人说的“厚德而载物”；白色就像天空，是那样的高远和豁然开朗。有彩色之所以鲜艳，富有光泽，就是因为背景的白色和黑色衬托出来的，就像红花总有绿叶来相配。黑、白色在所有色彩中起着协调、平衡其他色彩的作用，其他色彩的美，是通过黑、白色衬托出来的。西方现代抽象派绘画大师康定斯基总是喜欢用黑色的线条来分割抽象的形状，鲜艳的红色、绿色，还是黄色，经过黑色的分割，有彩色就像被驯服的野马，听候主人的使唤。黑白色还可以增加作品的空间感、层次感。黑色明度最低，白色明度最高，有彩色处于明度中间，明度从低到高逐渐变化，作品有了空间感、秩序和节奏。这些色彩秩序就像音乐中的音符从低到高或从高到低的排列，作品产生了节奏和韵律。冷抽象绘画大师蒙德里安的作品中用黑白、原色来组成画面色彩，理性地分析黑白、原色之间的平衡、对比与协调关系。

著名书籍装帧设计师吕敬人的设计作品，突出了书籍内容的精神特质，其作品的形式与内容、功能性与艺术性统一起来，利用色彩充分传达出书籍的情感内容。黑白色与有彩色互相配合，作品色彩丰富协调。在作品色彩配置中巧妙地使用黑白色，利用黑白色来形成画面色彩的对比与和谐。吕敬人认为：“一本理想的书应体现和谐对比。和谐，为读者创造精神需求的空间，对比则是创造视觉、触觉、听觉、嗅觉、味觉五感之阅读愉悦的舞台。”设计师认为好的设计作品，具有“理想的书籍形态、严谨的文字编排、准确的图像选择、有时间感受的余白、有规矩的构成格式、有动感的视觉旋律、到位的色彩配置、个性化的纸材运用、毫厘不差的印刷工艺”等特点。设计师强调书籍设计中整体和谐的重要性，包括色彩设计中黑白色与有彩色的协调和色彩设计的相互关系。

香港著名的设计师王奥飞，其设计的作品中可以看出色彩设计给人清新、简洁的感觉。设计师巧妙使用黑白色与有彩色形成鲜明的对比，色彩设计清新、明快，富有感染力。红、黄、白、黑等色通过面积、明度、纯度的变化与统一，达到较好的色彩效果。黑色的字起到稳定、平衡画面色彩的作用。有些色彩设计看似随意、简单、无序，其实是经过设计师一番苦心经营的结果。如黑、白、普蓝、黄、橙、红、桃红色互相搭配，产生一种强烈的节奏、运动、秩序感。纯白的底色更显出画面的简洁、明快、透气感。

中国传统的水墨画，也用黑白关系来体现东方式的冰清玉洁和宇宙的幽深奥妙。古人在进行书画创造的时候遵循“知白守黑”的原则，提炼出图与底、彩色和黑白色之间的一种相互制约的关系。中国书法用黑色的墨，白色的宣纸来营造中国人的黑白世界，黑白色更恰当地体现出中国哲学，即“天人合一”的宇宙意识。中国工笔花鸟画在上彩之前先染一层淡淡的黑色，用淡黑色来统一画面色彩，画面色彩典雅、稳重，恰当的留白以创造虚空间，有灵动、透气之感。近代国画大师齐白石用大面积的黑、白、红、黄、蓝等色组织画面色彩，红、黄、蓝等高纯度的色彩艳而不俗，画面色彩感觉明快、色彩使用概括、视觉冲击力极强。这些效果都得力于大面积的黑色与白色。现代画家吴冠中更是深谙黑白之道了，黑白色块、彩色块之间的形状、大小、空间经过他的巧妙安排，就使作品形成较强的秩序、节奏和空间感，真正做到了“知其白，守其黑”。

经过了复杂、喧闹的都市生活，现代人更渴望追求一种平淡、安静的生活方式。平面设计中的色彩设计也从过去的多色彩组合向简约组合，从强对比向中对比转变。现代平面设计的色彩设计更加追求一种简约、简洁之美。色彩设计不是以多胜，而是用简约的色彩体现出设计的品位与韵味。后工业时代黑色和白色成为设计师喜爱的色彩，没有功能的色彩均被剔除。白色不是时髦的色彩，而是具有现代感的色彩。黑白色具有优雅感，迪奥说：“优雅是与高贵、自然、细致与简单构成的混合体。优雅要求放弃豪华，放弃招摇。”“功能决定形式”是古典及现代设计的主题，它意味着放弃不必要的修饰和多余的模式、多余的色彩，一切都使用“中性”的色彩。通过放弃色彩以适应客观性和功能性的要求，这是现代设计的品质。

参考文献：

[1]《广州设计师作品集》，广州设计论坛，李向荣主编，岭南美术出版社